RETRATOS DE AMANTES (Emilie Flöge), 38

Emilie Flöge. Fuente: Wikipedia.

#retratosdeamantes

He dudado mucho antes de incluir en esta serie el retrato de tamaño natural que hizo Gustav Klimt de Emilie Louise Flöge, diseñadora y empresaria austriaca, pues la afirmación de que fueron amantes se basa en las historias que se van contando, mas no hay ningún documento donde la una o el otro hablen de esa relación. 

Es cierto que pasaron un tiempo juntos, pero quizás la razón de haber compartido tiempo y trabajo se deba más a la relación familiar (ella era su cuñada) y a que cuando murió el hermano de Klimt, este se convirtió en una presencia constante en la casa. Fuera su relación la que fuese, yo no puedo afirmar que llegaran a ser amantes, ni tampoco que no lo fueran.

Lo que sí sé es que a Klimt no le gustó cómo había quedado el retrato; incluso peor, a la familia de ella le resultaba desagradable. Con tanto rechazo no es de extrañar que se deshicieran de él y lo vendieran al museo de Viena, que es donde se encuentra desde entonces. En cualquier caso, ella continuó siendo la musa inspiradora de muchos cuadros del artista. Por cierto, él también colaboró diseñando algunos vestidos para el taller de ella, lo que demuestra la buena relación que hubo entre ambos. 

En cuanto al óleo, puro estilo Klimt, está dentro del Art Nouveau y la Secesión Vienesa, cuya característica más sobresaliente era que todo cuanto se hiciera tuviese un alto valor decorativo, ornamental y representase algún tipo de simbolismo. Los fondos dorados y los patrones abstractos (líneas, puntos y figurillas geométricas) son, tal vez, el elemento más propiamente klimt de cuantos podemos observar en sus trabajos.

Asimismo resulta interesante señalar esa conexión artística e intelectual entre ambos, puesta de relieve por medio del vestido con que ella aparece, donde se puede apreciar ese impulso creador coincidente en formas, gustos y detalles. 

Para quienes gustan de que les cuenten las biografías a través del cine, debo recordar aquí que en 2006 se estrenó la película Klimt, en la que Emilie Flöge es interpretada por Veronica Ferres y Gustav Klimt por  John Malkovich. Pero recordad que es una película, no un ensayo biográfico. 

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

RETRATOS DE AMANTES (Rodin), 37

Retrato de Auguste Rodin. Fuente: Museo Rodin.

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Esta entrega número 37 de la serie es el complemento o, si lo preferís, el reverso de la número 31. Si en la anterior aparecía una cabeza de la amante realizada por Auguste Rodin, en esta es el amante quien aparece representado por obra de Camille Claudel (1864-1943).

Como ya comenté en la entrada anterior la relación entre ambos artistas y el final desgraciado de Camille, a ella remito, pero si alguien está interesado en saber más puede leer el trabajo de Mathias Morhardt, Mademoiselle Camille Claudel (en francés) o el de Odyle Ayral-Clause, Camille Claudel: A life, mucho más moderno, más extenso y mejor documentado, pero está en inglés. 

Si sois de poco libro y más de que os cuenten historias desde la pantalla, hay una peli de 1988, La pasión de Camille Claudel, que dirigió Bruno Nuytten, en la que Isabelle Adjani hacía de Camille y Gérard Depardieu de Rodin. En 2013 apareció otra película dirigida por Bruno Dumont, bajo el título de Camille Claudel 1915. En esta era Juliette Binoche quien hacía de Camille. 

Por cierto, existe un Museo Camille Claudel, que se inauguró en 2017, Nogent-sur-Seine, una población situada a pocos kilómetros al sureste de París.

En cuanto a la escultura que representa la cabeza de Rodin hay que decir que es una obra realizada en bronce, de carácter naturalista (eso salta a la vista). Se expuso por primera vez en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes en 1892 y supuso el reconocimiento como escultora consagrada de su autora. En la actualidad, la obra suele ser utilizada como el símbolo distintivo de las exposiciones que se realizan en torno a Rodin.

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RETRATOS DE AMANTES (Teha'amana), 36

 

Manaò tupapaú (Espíritu de los muertos vigilando), Fuente: Buffallo Art Museum

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Gauguin (1848-1903) no tuvo precisamente eso que podríamos llamar una vida tranquila y asentada. Ya sus orígenes fueron un tanto singulares: era hijo de un periodista antimonárquico, Clovis Gauguin, y de Aline Marie Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, quien a su vez, según algunas biografías, era hija de Simón Bolívar. Tras el golpe de estado de Napoleón III, la familia se trasladó a Perú. En el viaje murió el padre, cuando el futuro pintor tenía año y medio. Su vida será un ir y venir por lugares y trabajos. Por los trabajos, hasta que decidió dedicarse a la pintura. Por los lugares, hasta que un día la muerte le alcanzó en la Polinesia.

Su original y fácilmente reconocible estilo posimpresionista alcanza la madurez expresiva en la práctica de lo que se conoce como cloisonismo (pintura basada en las grandes áreas de color plano y bordes muy acentuados), luego evolucionará hacia el sintetismo (se quiere sintetizar la forma, las emociones del autor hacia el objeto que representa y el color). Pero vayamos con el óleo de hoy, que es lo que nos interesa.

La figura central de esta pintura es una joven tahitiana llamada Teha'amana, que yace boca abajo y mira de reojo hacia el lado contrario donde se sitúa la figura vestida de negro. Gauguin dijo que intentó representar el miedo polinesio al tupapaú, o espíritu de los muertos, que es quien aparece aquí, al otro lado de la cama, enfundado en un ropaje negro. En la pared, detrás de la cama, hay varias formas blancas, con apariencia de pluma, que el artista describió como luces fosforescentes y que, según él, ejemplifican el interés de los espíritus por los vivos.

De hecho, Gauguin describe la escena en su diario Noa Noa. Según cuenta en él, un día que volvía a su cabaña ya tarde y en el que por falta de provisiones se había quedado sin alumbrado, encendió una cerilla para no tropezar y vio a Tehura (así llamaba él a Teha'amana), inmóvil, desnuda, tumbada boca abajo en la cama, con los ojos desmesuradamente abiertos por el miedo (…) parecía que un resplandor fosforescente le brotaba de aquellos ojos con la mirada fija (se refiere al espíritu).​

A partir de eso que nos cuenta, podríamos pensar que la niña, (según dice Gauguin, tenía tan solo trece años) está atemorizada por el espectro. Posteriormente, optó por una explicación más intelectual y se refirió a esta pintura como un trabajo que contenía una serie de dualidades: juventud y vejez, luz y oscuridad, vida y muerte. 

Es difícil saber qué era lo que estaba pensando Gauguin cuando pintó a su amante de aquel momento en esa situación. Las creencias polinesias, el simbolismo de la época, la propagación de las doctrinas teosóficas y toda la parafernalia de supersticiones varias en torno a espíritus, muertos y seres varios de la naturaleza imaginaria que durante el final del siglo XIX poblaban la imaginación de buena parte de la sociedad, hacen difícil cualquier explicación sobre el contenido de la obra que pretenda ir más allá de lo que a primera vista vemos. El misterio de la obra crea espacio para un amplio debate abierto en torno a su contenido, así como a la intención del artista.

De Teha'amana, la adolescente que yace boca abajo en la cama, no he podido averiguar nada, salvo que fue la compañera del artista durante los dos años que permaneció en Tahití durante su primera estancia, de 1891 a 1893, y que cuando regresó a Tahití en 1895, Teha'amana se veía a sí misma como casada convencionalmente de acuerdo con sus costumbres locales, pero para él el matrimonio que había celebrado con arreglo a esas costumbres y formas polinesias no era nada más que un acuerdo temporal, sin ningún valor legal. 

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RETRATOS DE AMANTES (Marthe Meurier), 35

Minué de la princesa Maleine o Marthe al piano. Fuente: Museo de Orsay.

 

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Maurice Denis (1870 - 1943) realizó este cuadro de la que entonces era su novia, Marthe Meurier, en 1891, es decir, cuando todavía estaba iniciándose en su carrera como pintor, pero en él ya apreciamos algo que será una constante en su obra. En un breve ensayo publicado en 1890 en la revista Art et Critique dejó escrito: Recuerden que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo femenino o una especie de anécdota, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un orden determinado. Esta idea y el tratamiento pictórico que implica marca el quehacer de Denis y tendrá una notable influencia en el grupo al que pertenece, los nabis. 

El mismo año en que redactó el texto que acabamos de leer, se produjo el encuentro con Marthe Meurier. Tuvieron un largo período de noviazgo, documentado en su diario con todo lujo de detalles y reflexiones. Se casaron dos años después de conocerse, el 12 de junio de 1893. Ella se convirtió en una parte fundamental de su arte (aparece en numerosos trabajos, tanto óleos como obras de carácter decorativo, como abanicos pintados, y en muchas ocasiones como una figura idealizada que representa la pureza y el amor. Era, está claro, su musa.

En este lienzo vemos a la que entonces era la prometida del artista al piano y una clara configuración de todos y cada uno de los elementos representados para enfatizar su individualidad: el papel pintado de la pared, la partitura en un tono claro que contrasta, las suaves líneas curvas del delantal, el vestido oscuro más significativo por la falta de sombras, la indefinición del espacio entre cada elemento... Todo está acentuando el carácter plano de la obra que tenemos delante.

Pero por encima de todo destacan las manos y el rostro de la amada. Es como si  todos y cada uno de los elementos que la rodean estuviesen ahí para destacar su belleza y su serenidad, su estar en el mundo de una manera plena y satisfactoria, que es una forma de transmitirnos lo que él sentía por ella: Gracias a ella he recuperado la inocencia de la fe, el gozo de estar bien sin tristezas. De ella recuperaré el don de las lágrimas y la locura de la auténtica esperanza (de su diario).

Marthe, al igual que Maurice, sentía una gran inclinación por la música. El título de la partitura, sin embargo, es el de una obra de Maeterlinck, hoy perdida, mientras que el minué fue compuesto por un amigo. Los motivos de la cubierta funcionan como símbolos de los rasgos espirituales de Marthe. Una mujer se inclina para recoger flores de la tierra, otra alza los brazos hacia el cielo: amor por la belleza natural y profunda espiritualidad, características muy presentes en el movimiento nabi, que de hecho significa profeta en lengua hebrea.

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RETRATOS DE AMANTES (Bice Bugatti), 34

Pétalo de rosa. Fuente: Wikipedia.

 

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Giovani Segantini (1858-1899), fue un pintor italiano que nació en Arco, una pequeña ciudad que en el momento de su nacimiento pertenecía al Imperio austrohúngaro. Cuando murió su madre, en 1865, su padre le envió a trabajar a Milán. Ese mismo año solicitó que su nacionalidad austriaca fuera revocada, pero no lo consiguó, y al no poder hacerse con la nacionalización italiana, decidió permanecer como apátrida el resto de su vida.

En 1875 comenzó a estudiar artes plásticas en la Academia de Brera. 

En 1886 se estableció en el cantón suizo de los Grisones. Allí, se dedicó profesionalmente a la pintura. Sus obras más conocidas serán los paisajes alpinos, que era los que veía continuamente desde su lugar de residencia. En 1889 pudo exponer en la Italian Exhibition de Londres, donde tuvo cierto éxito, lo que le facilitó colaborar en revistas de arte. Al final de su vida consiguió disfrutar del reconocimiento público. 

En este Pétalo de rosa aparece Beatrice "Bice" Bugatti, a la que conoció en 1880, quien se convirtió en su amante de por vida. Tuvieron cuatro hijos y una relación exitosa. Cuando él por razones de trabajo no podía estar junto a ella, le escribía cartas de amor, a veces, perfumadas con flores recogidas en el campo. Cartas como esta (es un ejemplo de cuando llevaban diez años juntos): 

Recibe estas flores, estas violetas, como símbolo de mi gran amor. Las he recogido pensando en ti. Cuando llegue una primavera en la que yo no envía violetas, ya no me encontrarás entre los vivos.

Segantini se movió entre el divisionismo y simbolismo. Practicó la alegoría, tan del gusto de los simbolistas y combió, como se puede apreciar en este retrato de Bice Bugatti, la riqueza cromática y los efectos lumínicos del postimpresionismo con un dibujo de líneas marcadamente academicas. 

En este óleo en el que aparece su amante enferma de tuberculosis, el artista rehuye el aspecto negativo de la enfermedad y nos muestra una mirada dulce de la amada, como si estuviera a punto de recuperarse. Es más, el título del cuadro viene del color rosado que pone a las mejillas de la enferma. Varios símbolos aparecen sobre por encima de la almohada. De entre ellos, se reconoce bien la cruz cristiana. Sobre este tema el decía: Llevo a Dios en mi interior. No necesito ir a la iglesia.

El brillo del fondo y el de los cabellos de ella se debe al uso del pan de oro, al que después de aplicar rasca para conseguir ese aspecto. 

Si os estáis preguntando por el apellido de ella, sí, es lo que suponéis, ella pertenecía a la familia Bugatti, de la que eran miembros destacados el escultor Rembrandt Bugatti y el empresario Ettore Bugatti.

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RETRATOS DE AMANTES (Madeleine Knobloch), 33

Madeleine Knobloch. Fuente: The Courtauld.

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Hace algún tiempo este óleo se conocía como Mujer joven empolvándose, es decir, Jeune femme se poudrant; desde hace unos cuantos años aparece como Madeleine Knobloch, que es el nombre de la modelo con quien Georges Seurat (1859-1891) compartió su vida, eso sí, de manera muy discreta: tardó un par de años en presentarla a sus padres, para entonces ya tenían un hijo y estaba otro en camino.

Seraut es famoso por ser el padre del puntillismo, esa técnica que consiste en elaborar una imagen a base de pequeños puntos de colores, de tal manera que si nos retiramos del objeto representado el ojo compone y percibe la figura representada. Era la aplicación directa de lo que los estudios de óptica sobre el color y el efecto que estos tienen cuando se colocan unos junto a otros. 

Tal vez su obra más reconocida es Un baño en Asniéres, un lienzo de gran tamaño que fue rechazado para ser expuesto en el Salón de París en 1884 y que hoy forma parte de la colección de la National Gallery.

Pero volvamos a la Joven  empolvándose. La obra nos presenta a la amante del artista, sentada ante un pequeño espejo con una borla en la mano, empolvándose, todavía en ropa interior. Tiene cierta apariencia de rigidez, tal vez por la posición que le hizo adoptar o, acaso, por la dificultad de la técnica puntillista, que exigía mucho tiempo de trabajo. En cambio, la distribución que se nos ofrece en la imagen, aporta naturalidad y sencillez a la composición.

Fuente: abc.net.au/

Lo curioso de esta obra es que, cuando en 2014, se radiografió el lienzo, se descubrió que Seurat se había pintado a sí mismo en su caballete, dentro de la parte central de lo que parece un espejo en tríptico. Algún amigo le advirtió que la composición podría resultar un poco extraña para la época y el artista pintó sobre esa parte la esquina de una mesa con una maceta de flores. De hecho, ese es el único autorretrato conocido del artista.

Seurat murió en 1891, a los 31 años de edad, a causa de la difteria. Poco después lo hizo el hijo, con apenas un año de edad. Madeleina Knobloch recibió algunas pinturas de Seurat como herencia, pero tras la muerte del pintor rompió toda comunicación con la familia de él. Ella tampoco tardó demasiado en seguirlos, falleció en 1903, a la edad de 35 años.

Y si estás por Madrid, tal vez te pueda interesar esto.

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Moshe Dayan  

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RETRATOS DE AMANTES (Suzanne Valadon), 32

La geule de bois (la resaca). Harvard Art Museum.

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Toulouse-Lautrec (1864 -1901) era hijo de aristócratas y, por lo tanto, no necesitaba trabajar para poder vivir. También era hijo de primos y esto, junto a sus desgraciadas caídas de caballo —en cada una de ellas se rompió una pierna distinta—, seguramente afectó a su discapacidad física. Sus padres le animaron a pintar y dibujar como actividad que pudiera ofrecerle ciertas satisfacciones y alegrías. La afición caló y con el apoyo de su tío Charles y varios pintores amigos de la familia fue a vivir a París en 1881 en busca de una mejor formación. A sus padres no les agradó mucho cuando descubrieron que su inspiración y su temática como pintor procedía del libertino mundillo de Montmartre.

Lautrec se sentía a gusto en el ambiente de los cafés, cabarés y burdeles del barrio parisino. Su personalidad extrovertida y arrolladora, más la gran habilidad con los lápices, hizo de él un personaje popular en ese medio. Su obra dio a conocer a muchos de los variopintos personajes que se movían en ese ambiente. Y allí estaba Suzanne Valandon (1865 - 1938), hija de una lavandera, quien se convirtió en favorita de artistas como Puvis de Cavannes o Renoir.

Ella vivía con su madre en el mismo edificio donde vivía Lautrec y, posiblemente, de ahí vino el conocimiento y la relación. También es posible que la pintura esté realizada en el propio apartamento de Lautrec, pues se sabe que tenía una mesa de café como la que aparece en el retrato. 

Fuese esto como fuere y aunque Lautrec se rodeó de la compañía de numerosas mujeres, generalmente prostitutas, no se sabe si llegaron a tener relación como amantes, si bien sus biógrafos dan por bueno que ella llegara a ser el único amor auténtico de él. Lo cierto es que cuando su madre y ella tramaron una amenaza de suicidio para empujarle al matrimonio, él cortó la relación. 

No entro en la biografía de ella porque más adelante tendré ocasión de hacerlo, pero no como modelo, sino como la artista importante que fue y que recogió a sus amantes en su obra. Pero de eso me ocuparé en otra entrada.

No quiero cerrar esta sin destacar la técnica pictórica tan característica del de Albi, nombrada por algún estudioso de su obra como verduras picadas. Se trata de una pincelada rápida, nerviosa, de una viveza extraordinaria, que revela la rapidez con que pintaba y, por tanto, la capacidad para recoger con unos cuantos trazos la escena que se nos presenta ante la vista.

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Moshe Dayan  

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RETRATOS DE AMANTES (Camille Claudel), 31

Máscara de Camille Claudel y mano izquierda de Pierre de Wissant. Fuente: Museo Rodin.

#retratosdeamantes

No siempre las historias de amor tienen final feliz. Los avatares de la vida, las circunstancias en las que nos vemos sumergidos, pueden resultar un duro inconveniente y los sentimientos no siempre son fáciles de manejar. 

Camille Rosalie Claudel (1864-1943) nació en una familia muy creativa y desde pequeña mostró gran interés por la escultura y una gran capacidad. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1883 conoce a Auguste Rodin, y un año después ya está trabajando en su taller. Posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno. 

En 1884 Camille tenía veinte años, Rodin cuarenta y cuatro, y ya tenía una compañera con quien compartía la vida, Rose Beuret. Camille y Rodin se enamoraron y ella se convirtió en colaboradora imprescindible para él, además de inspirar obras como La Danaïde o Fugit Amor.​ La relación se acabará en 1892, si bien Rodin continuará protegiendo y defediendo el trabajo de Camille ante críticos e instituciones. 

A patir de 1905 realiza Camille su última gran exposición. Ha conseguido cierto éxito, pero sus crisis nerviosas impiden que trabaje con regularidad y que se vaya recluyendo en su casa-taller. El 3 de marzo de 1913 muere su padre, que era la única persona que le servía de apoyo, y siete días después la internan en el Hospital psiquiátrico de Ville-Évrard. En julio de ese mismo año su hermano Paul la hospitaliza en Montdevergues, manicomio del cual, a pesar de su recuperación, nunca salió.

Camille pasó encerrada los últimos treinta años de su vida. Su familia prohibió que recibiera visitas y nunca fueron a verla, salvo su hermano Paul. Falleció en 1943 y fue enterrada en una tumba sin nombre, solo con los números 1943 -n392, en el pequeño cementerio de la institución mental de Montdevergues.

La obra más conocida de Camille Claudel es La edad madura. El grupo escultórico es una alegoría sobre el destino y el paso del tiempo: el hombre, todavía sujeto por la fuerza de la juventud, es arrastrado por la vejez, que intenta apartarle de la juventud. Otra interpretación que se suele utilizar, menos profunda es que Camille es la suplicante arrodillada que coge la mano de su amante Rodin, al que rodea Rose Beuret con sus brazos, ayudándole a seguir hacia adelante. 

El yeso, la Máscara de Camille, es una sencilla y hermosa pieza que tiene el encanto de lo natural y, aparentemente, inacabado, pues en el proceso de creación de esculturas moldeadas, no talladas directamente con un material sólido, la máscara de yeso es la siguiente fase con respecto a un modelado en arcilla. El vaciado en bronce es el resultado final.

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Espero y deseo que el acuerdo de tregua entre Hamas e Israel pueda llevar una paz duradera y estable a la región.  

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RETRATOS DE AMANTES (Marie Cantacuzène), 30

Retrato de la esposa del artista, Madame de Cavannes. Fuente: Meisterdrucke.

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Marie Cantacuzène (1824-1898) obtuvo el título de princesa por su segundo matrimonio con su primo, al que abandonó pronto. Con 25 años se dirigió a París y buscó la forma de ganarse la vida por sí misma. Se hizo modelo, entró a formar parte del estudio de Théodore Chassériau y, a través de este, conoció a Puvis de Chavannes, quien por entonces era una pintor que estaba en los inicios de su carrera.

Marie se convirtió rápidamente en algo más que una modelo para los trabajos del artista, fue su amiga durante el resto de su vida, y cuando Pierre envejeció (ambos sobrepasaban los setenta años cuando decidieron casarse) cuidó de él. Ella murió a la edad de 74 años, dos meses antes de que él muriera.

El óleo nos presenta el retrato de una mujer sexagenaria. A primera vista, parece que tiene un aire sombrío; sin embargo, cuando se expuso por primera vez, Puvis negó esa interpretación: Esta persona no es una viuda, y si la expresión de su rostro es triste, yo soy el responsable de haber incidido involuntariamente en esa parte de ella. Tiene un carácter serio, noble y muy agradable. Mi única excusa es que yo la he visto en muchas ocasiones con esa actitud pensativa que les ha confundido. Las personas reflexivas no piensan a la ligera.

Van Gogh lo vio en una exposición cuando era joven y quedó impresionado por la dignidad que desprendía la pintura, tanto que escribió: No hay nada como una mujer mayor. Posiblemente, era exactamente eso lo que Puvis de Chavannes quiso expresar cuando retrató a su amada madame de Chavannes, la enorme potencia expresiva de una vida en plena madurez que proyecta sobre quienes la observamos, el sosegado y reflexivo valor de la experiencia.    

               

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