RETRATOS DE AMANTES (Marthe Meurier), 35

Minué de la princesa Maleine o Marthe al piano. Fuente: Museo de Orsay.

 

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Maurice Denis (1870 - 1943) realizó este cuadro de la que entonces era su novia, Marthe Meurier, en 1891, es decir, cuando todavía estaba iniciándose en su carrera como pintor, pero en él ya apreciamos algo que será una constante en su obra. En un breve ensayo publicado en 1890 en la revista Art et Critique dejó escrito: Recuerden que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo femenino o una especie de anécdota, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un orden determinado. Esta idea y el tratamiento pictórico que implica marca el quehacer de Denis y tendrá una notable influencia en el grupo al que pertenece, los nabis. 

El mismo año en que redactó el texto que acabamos de leer, se produjo el encuentro con Marthe Meurier. Tuvieron un largo período de noviazgo, documentado en su diario con todo lujo de detalles y reflexiones. Se casaron dos años después de conocerse, el 12 de junio de 1893. Ella se convirtió en una parte fundamental de su arte (aparece en numerosos trabajos, tanto óleos como obras de carácter decorativo, como abanicos pintados, y en muchas ocasiones como una figura idealizada que representa la pureza y el amor. Era, está claro, su musa.

En este lienzo vemos a la que entonces era la prometida del artista al piano y una clara configuración de todos y cada uno de los elementos representados para enfatizar su individualidad: el papel pintado de la pared, la partitura en un tono claro que contrasta, las suaves líneas curvas del delantal, el vestido oscuro más significativo por la falta de sombras, la indefinición del espacio entre cada elemento... Todo está acentuando el carácter plano de la obra que tenemos delante.

Pero por encima de todo destacan las manos y el rostro de la amada. Es como si  todos y cada uno de los elementos que la rodean estuviesen ahí para destacar su belleza y su serenidad, su estar en el mundo de una manera plena y satisfactoria, que es una forma de transmitirnos lo que él sentía por ella: Gracias a ella he recuperado la inocencia de la fe, el gozo de estar bien sin tristezas. De ella recuperaré el don de las lágrimas y la locura de la auténtica esperanza (de su diario).

Marthe, al igual que Maurice, sentía una gran inclinación por la música. El título de la partitura, sin embargo, es el de una obra de Maeterlinck, hoy perdida, mientras que el minué fue compuesto por un amigo. Los motivos de la cubierta funcionan como símbolos de los rasgos espirituales de Marthe. Una mujer se inclina para recoger flores de la tierra, otra alza los brazos hacia el cielo: amor por la belleza natural y profunda espiritualidad, características muy presentes en el movimiento nabi, que de hecho significa profeta en lengua hebrea.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

RETRATOS DE AMANTES (Bice Bugatti), 34

Pétalo de rosa. Fuente: Wikipedia.

 

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Giovani Segantini (1858-1899), fue un pintor italiano que nació en Arco, una pequeña ciudad que en el momento de su nacimiento pertenecía al Imperio austrohúngaro. Cuando murió su madre, en 1865, su padre le envió a trabajar a Milán. Ese mismo año solicitó que su nacionalidad austriaca fuera revocada, pero no lo consiguó, y al no poder hacerse con la nacionalización italiana, decidió permanecer como apátrida el resto de su vida.

En 1875 comenzó a estudiar artes plásticas en la Academia de Brera. 

En 1886 se estableció en el cantón suizo de los Grisones. Allí, se dedicó profesionalmente a la pintura. Sus obras más conocidas serán los paisajes alpinos, que era los que veía continuamente desde su lugar de residencia. En 1889 pudo exponer en la Italian Exhibition de Londres, donde tuvo cierto éxito, lo que le facilitó colaborar en revistas de arte. Al final de su vida consiguió disfrutar del reconocimiento público. 

En este Pétalo de rosa aparece Beatrice "Bice" Bugatti, a la que conoció en 1880, quien se convirtió en su amante de por vida. Tuvieron cuatro hijos y una relación exitosa. Cuando él por razones de trabajo no podía estar junto a ella, le escribía cartas de amor, a veces, perfumadas con flores recogidas en el campo. Cartas como esta (es un ejemplo de cuando llevaban diez años juntos): 

Recibe estas flores, estas violetas, como símbolo de mi gran amor. Las he recogido pensando en ti. Cuando llegue una primavera en la que yo no envía violetas, ya no me encontrarás entre los vivos.

Segantini se movió entre el divisionismo y simbolismo. Practicó la alegoría, tan del gusto de los simbolistas y combió, como se puede apreciar en este retrato de Bice Bugatti, la riqueza cromática y los efectos lumínicos del postimpresionismo con un dibujo de líneas marcadamente academicas. 

En este óleo en el que aparece su amante enferma de tuberculosis, el artista rehuye el aspecto negativo de la enfermedad y nos muestra una mirada dulce de la amada, como si estuviera a punto de recuperarse. Es más, el título del cuadro viene del color rosado que pone a las mejillas de la enferma. Varios símbolos aparecen sobre por encima de la almohada. De entre ellos, se reconoce bien la cruz cristiana. Sobre este tema el decía: Llevo a Dios en mi interior. No necesito ir a la iglesia.

El brillo del fondo y el de los cabellos de ella se debe al uso del pan de oro, al que después de aplicar rasca para conseguir ese aspecto. 

Si os estáis preguntando por el apellido de ella, sí, es lo que suponéis, ella pertenecía a la familia Bugatti, de la que eran miembros destacados el escultor Rembrandt Bugatti y el empresario Ettore Bugatti.

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RETRATOS DE AMANTES (Madeleine Knobloch), 33

Madeleine Knobloch. Fuente: The Courtauld.

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Hace algún tiempo este óleo se conocía como Mujer joven empolvándose, es decir, Jeune femme se poudrant; desde hace unos cuantos años aparece como Madeleine Knobloch, que es el nombre de la modelo con quien Georges Seurat (1859-1891) compartió su vida, eso sí, de manera muy discreta: tardó un par de años en presentarla a sus padres, para entonces ya tenían un hijo y estaba otro en camino.

Seraut es famoso por ser el padre del puntillismo, esa técnica que consiste en elaborar una imagen a base de pequeños puntos de colores, de tal manera que si nos retiramos del objeto representado el ojo compone y percibe la figura representada. Era la aplicación directa de lo que los estudios de óptica sobre el color y el efecto que estos tienen cuando se colocan unos junto a otros. 

Tal vez su obra más reconocida es Un baño en Asniéres, un lienzo de gran tamaño que fue rechazado para ser expuesto en el Salón de París en 1884 y que hoy forma parte de la colección de la National Gallery.

Pero volvamos a la Joven  empolvándose. La obra nos presenta a la amante del artista, sentada ante un pequeño espejo con una borla en la mano, empolvándose, todavía en ropa interior. Tiene cierta apariencia de rigidez, tal vez por la posición que le hizo adoptar o, acaso, por la dificultad de la técnica puntillista, que exigía mucho tiempo de trabajo. En cambio, la distribución que se nos ofrece en la imagen, aporta naturalidad y sencillez a la composición.

Fuente: abc.net.au/

Lo curioso de esta obra es que, cuando en 2014, se radiografió el lienzo, se descubrió que Seurat se había pintado a sí mismo en su caballete, dentro de la parte central de lo que parece un espejo en tríptico. Algún amigo le advirtió que la composición podría resultar un poco extraña para la época y el artista pintó sobre esa parte la esquina de una mesa con una maceta de flores. De hecho, ese es el único autorretrato conocido del artista.

Seurat murió en 1891, a los 31 años de edad, a causa de la difteria. Poco después lo hizo el hijo, con apenas un año de edad. Madeleina Knobloch recibió algunas pinturas de Seurat como herencia, pero tras la muerte del pintor rompió toda comunicación con la familia de él. Ella tampoco tardó demasiado en seguirlos, falleció en 1903, a la edad de 35 años.

Y si estás por Madrid, tal vez te pueda interesar esto.

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RETRATOS DE AMANTES (Suzanne Valadon), 32

La geule de bois (la resaca). Harvard Art Museum.

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Toulouse-Lautrec (1864 -1901) era hijo de aristócratas y, por lo tanto, no necesitaba trabajar para poder vivir. También era hijo de primos y esto, junto a sus desgraciadas caídas de caballo —en cada una de ellas se rompió una pierna distinta—, seguramente afectó a su discapacidad física. Sus padres le animaron a pintar y dibujar como actividad que pudiera ofrecerle ciertas satisfacciones y alegrías. La afición caló y con el apoyo de su tío Charles y varios pintores amigos de la familia fue a vivir a París en 1881 en busca de una mejor formación. A sus padres no les agradó mucho cuando descubrieron que su inspiración y su temática como pintor procedía del libertino mundillo de Montmartre.

Lautrec se sentía a gusto en el ambiente de los cafés, cabarés y burdeles del barrio parisino. Su personalidad extrovertida y arrolladora, más la gran habilidad con los lápices, hizo de él un personaje popular en ese medio. Su obra dio a conocer a muchos de los variopintos personajes que se movían en ese ambiente. Y allí estaba Suzanne Valandon (1865 - 1938), hija de una lavandera, quien se convirtió en favorita de artistas como Puvis de Cavannes o Renoir.

Ella vivía con su madre en el mismo edificio donde vivía Lautrec y, posiblemente, de ahí vino el conocimiento y la relación. También es posible que la pintura esté realizada en el propio apartamento de Lautrec, pues se sabe que tenía una mesa de café como la que aparece en el retrato. 

Fuese esto como fuere y aunque Lautrec se rodeó de la compañía de numerosas mujeres, generalmente prostitutas, no se sabe si llegaron a tener relación como amantes, si bien sus biógrafos dan por bueno que ella llegara a ser el único amor auténtico de él. Lo cierto es que cuando su madre y ella tramaron una amenaza de suicidio para empujarle al matrimonio, él cortó la relación. 

No entro en la biografía de ella porque más adelante tendré ocasión de hacerlo, pero no como modelo, sino como la artista importante que fue y que recogió a sus amantes en su obra. Pero de eso me ocuparé en otra entrada.

No quiero cerrar esta sin destacar la técnica pictórica tan característica del de Albi, nombrada por algún estudioso de su obra como verduras picadas. Se trata de una pincelada rápida, nerviosa, de una viveza extraordinaria, que revela la rapidez con que pintaba y, por tanto, la capacidad para recoger con unos cuantos trazos la escena que se nos presenta ante la vista.

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RETRATOS DE AMANTES (Camille Claudel), 31

Máscara de Camille Claudel y mano izquierda de Pierre de Wissant. Fuente: Museo Rodin.

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No siempre las historias de amor tienen final feliz. Los avatares de la vida, las circunstancias en las que nos vemos sumergidos, pueden resultar un duro inconveniente y los sentimientos no siempre son fáciles de manejar. 

Camille Rosalie Claudel (1864-1943) nació en una familia muy creativa y desde pequeña mostró gran interés por la escultura y una gran capacidad. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1883 conoce a Auguste Rodin, y un año después ya está trabajando en su taller. Posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno. 

En 1884 Camille tenía veinte años, Rodin cuarenta y cuatro, y ya tenía una compañera con quien compartía la vida, Rose Beuret. Camille y Rodin se enamoraron y ella se convirtió en colaboradora imprescindible para él, además de inspirar obras como La Danaïde o Fugit Amor.​ La relación se acabará en 1892, si bien Rodin continuará protegiendo y defediendo el trabajo de Camille ante críticos e instituciones. 

A patir de 1905 realiza Camille su última gran exposición. Ha conseguido cierto éxito, pero sus crisis nerviosas impiden que trabaje con regularidad y que se vaya recluyendo en su casa-taller. El 3 de marzo de 1913 muere su padre, que era la única persona que le servía de apoyo, y siete días después la internan en el Hospital psiquiátrico de Ville-Évrard. En julio de ese mismo año su hermano Paul la hospitaliza en Montdevergues, manicomio del cual, a pesar de su recuperación, nunca salió.

Camille pasó encerrada los últimos treinta años de su vida. Su familia prohibió que recibiera visitas y nunca fueron a verla, salvo su hermano Paul. Falleció en 1943 y fue enterrada en una tumba sin nombre, solo con los números 1943 -n392, en el pequeño cementerio de la institución mental de Montdevergues.

La obra más conocida de Camille Claudel es La edad madura. El grupo escultórico es una alegoría sobre el destino y el paso del tiempo: el hombre, todavía sujeto por la fuerza de la juventud, es arrastrado por la vejez, que intenta apartarle de la juventud. Otra interpretación que se suele utilizar, menos profunda es que Camille es la suplicante arrodillada que coge la mano de su amante Rodin, al que rodea Rose Beuret con sus brazos, ayudándole a seguir hacia adelante. 

El yeso, la Máscara de Camille, es una sencilla y hermosa pieza que tiene el encanto de lo natural y, aparentemente, inacabado, pues en el proceso de creación de esculturas moldeadas, no talladas directamente con un material sólido, la máscara de yeso es la siguiente fase con respecto a un modelado en arcilla. El vaciado en bronce es el resultado final.

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Espero y deseo que el acuerdo de tregua entre Hamas e Israel pueda llevar una paz duradera y estable a la región.  

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RETRATOS DE AMANTES (Marie Cantacuzène), 30

Retrato de la esposa del artista, Madame de Cavannes. Fuente: Meisterdrucke.

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Marie Cantacuzène (1824-1898) obtuvo el título de princesa por su segundo matrimonio con su primo, al que abandonó pronto. Con 25 años se dirigió a París y buscó la forma de ganarse la vida por sí misma. Se hizo modelo, entró a formar parte del estudio de Théodore Chassériau y, a través de este, conoció a Puvis de Chavannes, quien por entonces era una pintor que estaba en los inicios de su carrera.

Marie se convirtió rápidamente en algo más que una modelo para los trabajos del artista, fue su amiga durante el resto de su vida, y cuando Pierre envejeció (ambos sobrepasaban los setenta años cuando decidieron casarse) cuidó de él. Ella murió a la edad de 74 años, dos meses antes de que él muriera.

El óleo nos presenta el retrato de una mujer sexagenaria. A primera vista, parece que tiene un aire sombrío; sin embargo, cuando se expuso por primera vez, Puvis negó esa interpretación: Esta persona no es una viuda, y si la expresión de su rostro es triste, yo soy el responsable de haber incidido involuntariamente en esa parte de ella. Tiene un carácter serio, noble y muy agradable. Mi única excusa es que yo la he visto en muchas ocasiones con esa actitud pensativa que les ha confundido. Las personas reflexivas no piensan a la ligera.

Van Gogh lo vio en una exposición cuando era joven y quedó impresionado por la dignidad que desprendía la pintura, tanto que escribió: No hay nada como una mujer mayor. Posiblemente, era exactamente eso lo que Puvis de Chavannes quiso expresar cuando retrató a su amada madame de Chavannes, la enorme potencia expresiva de una vida en plena madurez que proyecta sobre quienes la observamos, el sosegado y reflexivo valor de la experiencia.    

               

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RETRATOS DE AMANTES (Bella Rosenfeld), 28

El cumpleaños. Fuente: MOMA.

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Tomo de Marc Chagall, Taschen, 1990 este párrafo completo: 

    El 25 de julio de 1915 Chagall desposa a su amada Bella. Ambos tuvieron que superar numerosas dificultades, en especial los resentimientos de los padres de ella, que hubieran deseado un yerno de mejor familia. El nacimiento de la pequeña Ida, casi exactamente nueve meses después, hará que desaparezcan los últimos reparos. En tiempos turbulentos, Bella y Marc se hallan en el séptimo cielo, tal como lo documenta el cuadro El cumpleaños. Con minuciosidad reprodujo Chagall los motivos del paño sobre el diván, la decoración del mantel, y se tomó el trabajo de reproducir exactamente los muebles del cuarto. Evidentemente, el amor que trasciende el cuadro existe en la realidad y no como una visión de la amada desde París. "Abría la ventana", escribe Chagall, "y junto con Bella entraban en mi cuarto azul de cielo, amor y flores. Vestida toda de blanco o de negro aparece aparece desde hace ya tiempo en mis cuadros, como guía de mi arte". Chagall usa en su delicada poesía palabras como "fluir", "animar" y "mecerse" para describir la felicidad con Bella, su inconmensurable alegría. La alada ingravidez que caracteriza a la pareja del cuadro es en realidad solo la transcripción visual de las metáforas, la reformulación fiel a su significado de una imagen verbal en una pintada. La etiqueta "poesía" con que siempre se ha caracterizado la obra de Chagall revela su razón de ser en esta identificación de lenguaje hablado y lenguaje pictórico (pp 38-40).

Para entender lo de los recelos de la familia de ella hay que recordar que era hija de una familia de ricos joyeros judíos; él, en cambio, era un simple pintor, también judío, que tenía que ganarse la vida vendiendo cuadros. Y parece que lo hizo bastante bien porque cuando volvió de París, traía algún dinero, lo que fue suficiente para convencer a los padres de Bella. 

Algunos datos: en 1907 (20 años tenía) Chagall va a San Petersburgo a estudiar arte en la Escuela Swanseva. Allí estará hasta 1910, pero durante el año anterior ha realizado varios viajes a Vitebsk, donde conoce a Bella Rosenfeld y eso es lo que hace que vuelva una y otra vez. Se enamoran, pero él no tiene dinero y marcha a París para ganarse la vida.

En 1911 expone en el Salón de los Independientes y hace amistad con Léger, Cendrans, Apollinaire y Delaunay. En 1912 expone otra vez en el Salón de los Independientes y luego en el Salón de Otoño. En 1913, gracias a Apollinaire, expone en el Salón de Otoño de Berlín. Un año después, en 1914, consigue la primera exposición individual en la galería Der Sturm, de Berlín; desde allí viaja a Vitebsk y el 15 julio de 1915 se produce la boda.

El óleo sobre cartón lo comenzó a pintar el día de su cumpleaños (7 de julio), es decir, una semana antes de la boda. Recoge un momento en que Bella entra en el cuarto de Marc. Sobre el óleo ella dejó escrito: Tú te elevaste hacia el tecgo. Giraste tu cabeza hacia la mía y la mía hacia la tuya (...) y juntos flotamos sobre la habitación, con todos sus adornos, y volamos". Es el vuelo del amor joven y alegre. 

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Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Pauline Croizette), 27

El beso. Fuente: PBALille 

 

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Supongo que realizar un autorretrato besando a una mujer es hacer hacer una declaración de amor mutua: la de quien se pinta besando y la de quien recibe voluntariamente el beso, pues difícilmente se va aceptar una exposición pública y permanente de amor (el óleo, es evidente, no fue destruido), a no ser que se trate de una representación y para eso se recurre normalmente a modelos.  

 

Posiblemente no haya gesto que identifiquemos más directamente con el amor romántico que el del beso. El beso como demostración de afecto, de entrega, de ternura, de amor tiene una larguísima historia iconográfica. Nadie duda de que cuando dos personas se besan de la forma en que lo hace la pareja que aquí se recoge, esa mujer y ese hombre participan del mismo sentimiento. 

 

El cuadro lo pintó Carolus-Duran (1837-1917) en 1868 (la fecha aparece en el margen inferior izquierdo). De ese mismo año es la carta que el pintor dirige a su madre pidiéndole el consentimiento para la boda. En ella dice: Amo con toda mi alma a una joven que, creo, es perfecta para mí. Nos conocemos desde hace tres meses y este hermoso y dulce amor va in crescendo. Sentimos que sería imposible vivir el uno sin el otro... La madre dio el consentimiento a vuelta de correo y pocos días después se llevó a cabo la boda. Los documentos reflejan la sinceridad de lo que vemos.

 

La dama del guante. Fuente: Orsay

Carolus-Duran era un famoso retratista en su época que nos dejó suficientes autorretratos como para reconocer inmediatamente su rostro en esa imagen. De Pauline Croizette (1839-1912) sabemos que también practicaba la pintura, en este caso pintura a pastel y miniaturas. Se conocieron, cómo no, en el Louvre, donde ella pasaba mucho tiempo copiando obras allí expuestas. Él ha dejado numerosas pinturas de ella. Seguramente la más conocida y reproducida de todas ellas sea la que aparece a la derecha de estas líneas, La dama del guante, obra muy bien acogida por la crítica de la época y en donde podemos apreciar la enorme capacidad para el retrato realista del pintor, así como el empleo de pequeños detalles para introducir ligereza en la composición, cosa que hace con los guantes blancos, uno todavía cubriendo la mano izquierda de la protagonista, mientras el otro yace en el suelo y colabora a dar profundidad a la escena.

 

De vuelta a El beso y la representación de la ternura del enamoramiento, fijaos en la posición de las manos. Él sujeta la cabeza de ella con la izquierda y apoya la derecha sobre el abdomen; ella recoge la cabeza de él con su brazo derecho, mientras posa la mano izquierda sobre la derecha de él. El beso, por supuesto, es el centro del óleo. Es lo esencial. Más exactamente la cabeza de ella, donde coinciden las diagonales. Pero luego están los detalles, que también tiene su importancia: el pañuelo rojo y la rosa en el cabello de Pauline nos sugieren el amor y la pasión que sienten el uno por el otro. El ramito de flores en el suelo con los pétalos de algunas de ellas esparcidas por el suelo hablan de la delicadeza y la ternura. 

 

Ignoro cómo les fue como pareja. Se sabe que tuvieron dos hijas y un hijo, que siempre estuvieron juntos y que ella murió poco antes que él. En cualquier caso, ver el nacimiento del amor siempre es hermoso.  

 

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RETRATOS DE AMANTES (Peter Schelesinger), 26

Peter saliendo de la piscina de Nick. Fuente: National Museums Liverpool.

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 En los años 60 del pasado siglo XX David Hockney se estableció en la atractiva y vitalista California, cerca de los estudios de Hollywood. Sus trabajos de entonces reflejan bien el ambiente liberal, la luminosidad de la costa oeste, la brillante escenografía del arte pop, el uso de las pinturas acrílicas y la mayor tolerancia para expresar la homosexualidad a través de su obra, como es el caso de We Two Boys Together Clinging (Nosotros dos muchachos juntos y apegados), que toma el título de un poema de Walt Whitman.

La persona que aparece saliendo de la piscina es Peter Schlesinger, a la sazón estudiante de arte, que es por lo que Hockney le conoció, pues entonces era profesor en la Universidad de Los Ángeles. El estudiante tenía 18 años y el profesor 28 y comenzaron una larga relación. Durante la misma, Schlesinger fue, como suele ser habitual en estos casos, modelo y musa del artista. Como curiosidad, Retrato de un artista (Piscina con dos figuras), en la que aparecen ambos, se vendió en 2018 por más de 90 millones de dólares, la pintura más cara vendida de un artista vivo hasta hoy.

El cuadro que tenemos arriba nos muestra una piscina comunitaria de un bloque de apartamentos de una calle de Hollywood. Ahí estaba la residencia del galerista Nick Wilder, amigo de Hockney. El novio de Hockney, Peter Schlesinger, es la figura desnuda que sale de la piscina. Para componer su figura, el artista utilizó una fotografía polaroid que había tomado anteriormente y en la que el joven Peter aparecía desnudo apoyado en el capó de un coche. De hecho, el formato de la pintura evoca deliberadamente el de la fotografía. La idea de dejar un borde de lienzo sin imprimación, según Hockney, era dar a la imagen un aspecto más pictórico. Con eso quería enfatizar el proceso de creación de imágenes y el artificio que implicaba crear una ilusión. 

Un dato: cuando Hockney ingresó en el Royal College of Art, en 1959, la homosexualidad era ilegal en el Reino Unido. No se despenalizó hasta 1967, y parcialmente. No obstante, Hockney siempre manifestó su identidad personal y artística como perteneciente a la comunidad homosexual y halló aceptación e inspiración en lo que entonces era la subcultura homosexual de Londres y, posteriormente, en el ambiente más liberal que encontró en Nueva York. 

Así, pues, Hockney se convirtió en un pionero de la temática gay, si bien antes de manifestarse a través de sus trabajos pictóricos, lo había hecho por medio de  grafitis en los baños públicos, más anónimos y más protegidos, aunque conocidos por su círculo de amistades. Posteriormente, pasó a expresar su sexualidad en una serie de grabados dedicados al poeta griego homosexual Cavafis. Sobre este trabajo dijo: Lo que hay que recordar sobre algunas de estas imágenes es que eran en parte propaganda de algo que, en mi opinión, no se había propagado como tema: la homosexualidad.

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Fuente: Wikipedia

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