RETRATOS DE AMANTES ( Kitty Garman), 49

Chica con gatito. Fuente: HA!

#retratosdeamantes

Lucian Freud (1922–2011) era hijo del arquitecto Ernst Ludwig Freud y de Lucie («Lux») Brasch y nieto de Sigmund Freud. Así es que tenías razón al emparentarlo con el creador del psicoanálisis. ​No sé cómo se cotizará en estos momentos en el mundillo del arte, pero hubo un tiempo en que era considerado como un de los grandes pintores del siglo XX.

Comenzó moviéndose dentro de los parámetros del surrealismo, pero más adelante pasó a ser uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Se especializó en la realización de retratos y, como característica propia suya, solía representarlos bajo una intensa luz y con una carnalidad notoria en el caso de los desnudos, lo que en su momento fue muy llamativo.​

Fue un gran amigo del pintor expresionista figurativo Francis Bacon, con el que mantuvo una sana rivalidad, aunque hacia el final de su vida la relación se enfrió un tanto. Digamos que ambos eran motivo de estímulo y emulación mientras la amistad se mantuvo fuerte. 

En 1948 contrajo matrimonio con Kathleen Garman Epstein, con quien tuvo dos hijas. Como suele ocurrir en estos casos, Kitty, que de por sí ya era modelo, posó para él en numerosas ocasiones. La relación no duró mucho tiempo y en 1953 él se casó con Caroline Blackwood.​

Kitty había estudiado en la Escuela Central de Artes y Oficios a finales de los años 40 bajo la tutela de Bernard Meninsky (1891-1950) y John Farleigh le enseñó el arte de la ilustración de libros. Después de su primer matrimonio, su pintura quedó en segundo plano y solo reanudó su actividad cuando se volvió a casar en 1955 con el economista y músico Wynne Alexander Hugh Godley. 

Su cuadro Wynne's Dressing Gown fue su primer trabajo en dieciocho años y se incluyó en la exposición "Kitty Garman and Co." en la New Art Gallery, en 2003-2004, que reunió por primera vez a tres generaciones de artistas: Kitty, Annie y Annabel Freud (hijas suyas) y May Cornet (hija de Annie y nieta de Kitty).

Chica con perro podría ser algo así como el complemento de Chica con gatito. Sobre las interpretaciones de carácter psicoanalítico, me abstengo; pero haberlas, haylas.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

RETRATOS DE AMANTES ( Dorothy Dene), 48

Flaming June  (Sol ardiente de junio). Fuente: Wikipedia.

 

#retratosdeamantes

Frederic Leighton (1830-1896) realizó una de sus obras más famosas y reconocidas al final de su vida, según las opiniones más autorizadas, en 1895, posiblemente después de su viaje por el norte de África. Se encuentra en el Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico.

La obra destaca por esa maravillosa llamarada naranja que envuelve y deja traslucir el cuerpo de la modelo, acurrucada, sobre lo que parece ser un banco de mármol, en posición casi fetal y sesteando en lo que da la impresión de ser las horas más calurosas del día. 

Desde el punto de vista de la composición es muy destacable el dominio de la técnica pictórica de Leighton, quien ha dispuesto la cabeza y el muslo derecho de la modelo de forma paralela al plano pictórico y a las bandas horizontales que organizan toda la composición. La postura es de una gran complejidad, y a pesar de todo, muestra una absoluta relajación. Pero lo que más me gusta son los tonos anaranjados de las gasas que nos recuerdan el llameante sol de junio, símbolo magnífico de la obra.

Como nos recuerda la página del museo en su comentario sobre esta obra, Leighton recoge muy bien el ideal estético en la figura voluptuosa de la mujer abandonada a su descanso. En ella (la obra entera) se percibe bien la tradición figurativa que nos llegaba desde el Renacimiento y más allá, la antigüedad clásica. 

Es necesario recordar aquí que en el arte victoriano la representación de la mujer dormida es un símbolo que se repetía con cierta asiduidad y que aludía al mundo de lo inconsciente, a la evasión de la realidad. Hey quienes interpretan el propio sueño, el impenetrable mundo interior de la durmiente, como una defensa ante la mirada voyerista del espectador. Me parece una interpretación muy subjetiva, pero interesante.

Sobre la modelo, Dorothy Dene (1859-1899), no se puede afirmar con claridad si llegó a ser amante del pintor. No existe ningún documento conocido que permita esta afirmación. Sí está documentado que él buscó una modelo adecuada para su pintura de 1894 Cimón e Ifigenia, y la encontró en Dene. 

Además de Cimón e Ifigenia, Dene aparece como la doncella que intenta recoger la pelota en Jóvenes griegas jugando a la pelota, en Andrómaca en cautividad,  en El jardín de las Hespérides, y en Luna de verano.

Digamos que en el cotilleo social de la época hubo rumores de que Leighton había tenido una relación romántica con Dene, pero también es cierto que la sexualidad de Leighton fue tema de debate. Seguramente nunca llegaremos a tener una certeza sobre este asunto.

El nombre de "Dorothy Dene" (en realidad Ada Alice) surge en 1882 cuando Leighton se convirtió en su benefactor y ella lo utilizó para su carrera teatral. Se estrenó como actriz tuvo lugar en 1886. Llegó a trabajar en Nueva York en diversos locales de la ciudad, pero no tuvo mucho éxito. Eso sí, en los años noventa del siglo XIX, era considerada la mujer más bella de Inglaterra.

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RETRATOS DE AMANTES (Stuart Sutcliffe), 47

Stuart Sutcliffe fotografiado por Astrid Kirchherr. Fuente: Omega Actions.

#retratosdeamantes

Para amantes incondicionales de los Beatles cuanto ponga aquí será historia conocida. No así para los demás. Para ese otro grupo escribo estas notas.

A mí la fotografía de Stuart Sutcliffe que más me gusta —de entre las que le realizó Astrid Kirchherr— es en la que está delante de esa misma puerta de una calle de Hamburgo, sentado en el tercer escalón y con las piernas cruzadas, pero no he podido encontrarla. 

La historia de esta foto comienza cuando John Lennon, alumno del Liverpool College of Art, animó a su compañero de estudios, Stuart Sutcliffe, a sumarse a su banda de rock Quarrymen.  Stu, que así es como le llamaban sus amistades, se animó, vendió alguna pintura y se compró una guitarra (un bajo, para ser exacto). El grupo cambió el nombre a The Beatles y, un buen día se presentó en Hamburgo, donde tuvieron un notable éxito. Siguiendo con lo de la exactitud, en Hamburgo estuvieron en cinco ocasiones entre 1960 y 1962. La del 61 es la que nos interesa.

Astrid Kirchherr era una joven fotógrafa alemana a la que la música que hacían los chicos ingleses le encataba. Bueno, le gustaba la música y, según dijo en más de una ocasión, también los chicos, a los que consideraba muy guapos, y el más guapo de todos, sobra decirlo, Stu. 

Ella se ofreció para hacerles una sesión fotográfica. Ellos, que de fotografía lo ignoraban casi todo porque hasta entonces tan solo sabían de la existencia de las cámaras instantáneas, quedaron impresionados. En aquella sesión de 1961 la joven fotógrafa ya dejó claras sus inclinaciones: a Sutcliffe le dedicó más atención que al resto del grupo. 

Sea como fuere, la cosa salió bien, porque mientras el grupo regresaba a Inglaterra, él decidió quedarse en Alemania. Allí se matriculó en el Hamburg College of Art, donde tuvo como profesor a Paolozzi, el artista que dio origen al pop, y que vio en él a un discípulo con gran talento para el arte.

Stu y Astrid se prometieron y vivieron con la familia de ella en tanto planificaban y decidían sus futuras carreras artísticas. Por desgracia, la historia de la joven pareja no duró mucho. Como consecuencia de una agresión que sufrieron después de tocar en el Litherland Town Hall, en Liverpool, en la que Stu resultó golpeado y pateado en la cabeza, en 1962, después de unos fuertes dolores de cabeza, él se desplomó mientras estaba en clase. Un segundo episodio acabó con su vida mientras una ambulancia lo llevaba a un hospital. Se trataba de una hemorragia cerebral.

Buena parte de la fotografías que ella realizó en aquella época han sido expuestas en salas de todo el mundo. Su relación con el grupo, y especialmente con Stuart Sutcliffe y John Lennon, aparece en la película Backbeat.

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Patricia Preece), 46

Self-Portrait with Patricia Preece. Fuente: The Fitzwilliam Museum.

#retratosdeamantes

El comentario que aparece en la página oficial del museo me parece que es altamente clarificador y cumple muy bien con el objetivo de ilustrar lo que la obra pictórica muestra. Aquí está:

Hay algo entre tú y yo que no debe romperse. La ley no me permite tener dos esposas. Sin embargo, debo tener y tendré dos. Mi desarrollo (como artista) depende de tenerlas a ti y a Patricia. (De una carta no enviada de Stanley Spencer a Hilda Spencer, 8 de septiembre de 1936).


El 24 de mayo de 1937, Stanley Spencer formalizó su divorcio de Hilda, su primera esposa y madre de sus dos hijos. Cinco días después, se casó con la artista Patricia Preece, la mujer que aparece tan expuesta, tan desencantada, en este notable retrato doble. Estaba listo para poner en práctica un plan largamente acariciado.

Después de la boda, Patricia fue a St. Ives, en Cornualles, acompañada por su compañera de toda la vida, Dorothy Hepworth. Stanley se quedó unos días para terminar un trabajo en Cookham, el pequeño pueblo de Berkshire donde había nacido y al que había dado fama gracias a sus pinturas. En cuestión de días, tras seducir a Hilda desde Londres, logró seducir a su esposa recién divorciada. Dejó constancia de su entusiasmo por este logro:

Por primera vez en mi vida, tuve la alegría de hacer lo que durante años había deseado: hacer el amor con dos mujeres a la vez.

Por desgracia, no parece haber explicado sus ambiciones domésticas a las dos mujeres que estaban destinadas a desempeñar un papel tan vital en ellas. Se sorprendió sinceramente cuando Hilda pareció disgustada al día siguiente al anunciar que se reuniría con su nueva esposa en St. Ives. Y por mucho que Patricia supiera de antemano de sus deseos, reaccionó furiosa cuando le confesó su conquista más reciente. Aunque habían sido amantes durante varios años, el matrimonio nunca se consumó y, al regresar a Cookham, Patricia regresó a su antigua casa con Hepworth. La arrepentida Hilda permaneció en Londres y Stanley se encontró sin esposas de verdad.

¿Estaba siendo desesperadamente ingenuo? ¿Grotescamente egoísta? ¿Ambas cosas? Esta pintura, probablemente realizada durante su extraordinario año matrimonial, sugiere una humildad y un autoconocimiento que parecen haber faltado en su conducta.

Es fácil creer que el artista que recreó el cuerpo desnudo de esta mujer estaba obsesionado con él. El propio Spencer comparó su método de pintar a Patricia en primerísimos planos con una hormiga que recorría los contornos de su cuerpo. Los pliegues de su cuello, pechos y pezones, el vello púbico minuciosamente representado, el hueso pélvico marcadamente protuberante, la gama de tonos de piel brillantemente observada: todo resulta casi inquietantemente directo. Quizás haya que remontarse a la obra del gran artista holandés del siglo XVII, Rembrandt, para encontrar el cuerpo femenino tratado de una manera tan franca y realista.

Si bien esto sugiere una profunda intimidad física, parece existir un abismo emocional entre la pareja. La cabeza de Patricia, incómodamente apoyada en su mano, muestra una expresión de aburrimiento y decepción. Sus ojos miran con desaliento hacia la parte inferior del lienzo, mientras Spencer la observa directamente, no mucho más feliz que ella. Las sábanas están arrugadas y Spencer tiene el rostro visiblemente rojo, pero hay poca sensación de plenitud. ¿Visualiza la pintura sus temores, expresados ​​en ese momento, sobre su incompetencia sexual?

Resulta ligeramente cómico que, aunque él mismo está claramente desnudo, Spencer se haya dejado las gafas puestas, presumiblemente para ver mejor el cuerpo de su amada. Nos recuerda a otro grabado de Rembrandt en el Fitzwilliam, que muestra al dios griego Júpiter, en la forma de un viejo sátiro lujurioso, observando con lascivia la figura desnuda y reclinada de Antíope dormida.

Un tema central en la obra de Spencer a lo largo de su vida fue la presencia de lo divino en lo cotidiano. Todas sus pinturas religiosas se desarrollan en entornos contemporáneos. Cristo predica en la Regata de Cookham en una serie de pinturas de 1955. En La Traición (1923), el jardín amurallado de Fernlea, la casa de Cookham High Street donde nació el artista, representa el Huerto de Getsemaní. Y alrededor de 1935 concibió la idea, nunca realizada, de una «Casa de la Iglesia», cada habitación de la cual estaría llena de sus pinturas que celebraban esta unión de lo sagrado y lo profano. Una «capilla» albergaría sus retratos íntimos de Patricia.

«El deseo es la esencia de todo lo sagrado», dijo Spencer una vez, y consideraba su amor por Hilda y Patricia, de alguna manera, sacramental. Aquí, se arrodilla ante la figura postrada de su segunda esposa desnuda, como si comulgara en un altar.

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Moshe Dayan

Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Marie-Thérèse Walter), 45

Fauno descubriendo a una mujer. fuente: Museo Reina Sofía.

 #retratosdeamantes

No me interesa el carácter protéico de las relaciones afectivas del creador Picasso. Me interesa su obra, la que permanecerá más allá de su biografía y en la que podemos ver e interpretar parte de la historia del arte del siglo XX y, por tanto, reconocer símbolos, manifestaciones y tendencias.

Picasso tiene una obra enorme y, seguramente, los aguafuertes no sean ni lo más característico ni lo más reconocido de ella. Dentro de la serie Retratos de amantes, que ya se acerca a su fin, podía haber elegido cualquier otro retrato de 

Fernande Olivier, de Marie-Thérèse Walter, Eva Gouel, de Gabrielle Depeyre, de Dora Maar o de Françoise Gilot, todas ellas modelos, musas y amantes retratadas en más de una ocasión.

Durante el verano de 1936, año fatídico para los españoles, Picasso graba este Fauno descubriendo a una mujer, plancha que cierra la serie conocida como Suite Vollard. El fauno, medio animal, medio hombre, se representa como un nuevo alter ego del artista. Representado, aparentemente, como un mirón, contrasta con el clasicismo de la mujer dormida a la que tal vez despierte. ¿Homenaje a Marie-Thérèse Walter?.

De este Fauno me llama la atención no tanto la poderosa sensualidad con que aparece Marie-Thérèse Walter, sino cómo se auterretrata él, porque el fauno no es una figura mitológica, sino él. Esto daría para un trabajo de prospección freudiana para el que no tengo ni formación ni ganas. Apunto simplemente algunos interrogantes: ¿se ve Picasso a sí mismo como un poderoso dios del erotismo?, ¿es un símbolo de la rebelión contra la moral burguesa?, ¿es una exaltación de la sexualidad?, ¿se trata simplemente de un divertimento de la imaginación creadora?, ¿estamos ante una metáfora del impulso machista?...

De la anécdota sobre el encuentro me llamó la atención lo que en algunos libros y reportajes se cuenta: ella tenía 17 años y él 45. Él se presento, pero ella no sabía quién era. A él le impresionó su juventud y su aspecto clásico y encantador. El romance lo vivieron al principio en secreto, pues él entonces estaba casado. Todo bastante tópico. De la relación, nació Maya. 

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Gala), 44

Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro. Fuente: Museo Dalí.

 

#retratosdeamantes

Primera advertencia: si estáis viendo esta obra en la pantalla de un ordenador, la estáis viendo a un tamaño mayor que el que la obra tiene (6,8 x 8,8 cm).

Segunda advertencia: los símbolos e imágenes que utiliza el surrealismo son de carácter onírico, lo que quiere decir que carecen de explicación racional. La crítica más atrevida suele proponer interpretaciones que pueden ser atractivas como hipótesis, pero nada más que como hipótesis. Que cada cual decida por sí mismo qué es lo que quiere interpretar.

Tercera advertencia: un par de citas (habla Dalí):

En cuanto estuvimos instalados en Portlligat, pinté un retrato de Gala con un par de costillas crudas encima de su hombros. Esto significaba, como supe más tarde, que en vez de comérmela a ella, había decidido comerme un par de costillas crudas. (…) Mis representaciones comestibles, intestinales y digestivas de aquella época fueron adoptando un carácter cada vez más insistente.

Me gustan las chuletas y me gusta mi mujer. No veo ninguna razón para no pintarlas juntas.

Cuarta y última advertencia: a los surrealistas les entusiasmó La interpretación de los sueños (Freud), lo que no quiere decir que se dedicaran al psicoanálisis, sino que allí encontraron una magnífica fuente de inspiración y de imágenes.

Y ahora un poco de cotilleo social: Gala (Elena Ivánovna Diákonova) fue una rusa que cuando tenía 19 años ingresó en un sanatorio de Clavadel, cerca de Davos, a causa de una tuberculosis. Allí conoció a Paul Eluard, con quien se casó en 1917. Después de pasar por un trío con Max Ernst y constituirse en musa de los surrealistas, conoció a Dalí, con quien pasó a vivir el resto de su vida. Gala no solo fue la pareja de Dalí, sino también su musa y su agente artístico, asunto organizativo para el que ella estaba muy bien dotada, mientras él era un ser puramente creativo, pero absolutamente negado para otras tareas de carácter más pragmático.

Intentar una aproximación medianamente significativa al contenido de este pequeño óleo me resulta una tarea imposible, pero me parece muy cautivador el retrato que hace de ella, en el que podemos observar a una mujer abandonada al placer de disfrutar del momento, sea este el que sea (tomar el sol, salir del reciente sueño, sentir la proximidad de la persona que ama mientras la retrata...). El porqué del entorno en la que está inscrita lo desconozco totalmente y no me sirve recurrir al viejo truco de justicarlo por la tendencia del autor a pintar ruinas, ni al año en que se produce (1933). 

Lo de la chuleta que toca el hombro de la amada en un equilibrio imposible simplemente me parece una de esas ocurrencias de Dalí, personaje excéntrico donde los haya y uno de los mayores y mejores creadores de imágenes irreales. Creo que sus propias palabras son suficiente justificación. Lo verdaderamente importante sigue siendo el rostro de ella.

Para saber más:

Vida secreta de Salvador Dalí. Salvador Dalí. Fundació Gala-Salvador Dalí, Madrid, 2003.
Salvador Dalí desde el Psicoanálisis. Ana Iribas. Arte, Individuo y Sociedad, 2004, vol. 16.
Salvador Dalí. Taschen, 1988.

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Moshe Dayan  

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RETRATOS DE AMANTES (Kiki de Montparnasse), 43

Le violon d'Ingres. Fuente: Christie's

#retratosdeamantes

¿Por qué el violín de Ingres? 

Lo primero que es necesario recordar es que Ingres no solamente fue un excelente pintor, sino también un más que aficionado violinista. Eso, más uno de los desnudos de espalda más famosos de la historia de la pintura, La bañista de Valpinçon, nos dan las referencias para entender el título de la fotografía y hacia dónde apuntaba Man Ray con esta obra. 

Emmanuel Radnitzky (1890-1876) fue un artista de origen judío que trabajó con Marcel Duchamp en Nueva York durante el año 1920. Después de eso, y supongo que por influencia del propio Duchamp, se trasladó a París, Montparnasse concretamente, donde se concentraba el mayor y más inquieto colectivo de artistas del momento. 

También hay que tener en cuenta las circunstancias. Ray no era un fotógrafo. Era un pintor que deseaba dominar la fotografía para fotografiar sus cuadros. Y era un artista que descubre el dadaísmo con Duchamp, y una vez en París se siente atraído por los preceptos surrealistas.

Así, pues, en un juego surrealista, transforma la espalda de la modelo en el violín que tanto le gustaba tocar a Ingres, muy conocido por sus pinturas de desnudos femeninos. Pero la modelo no era una modelo cualquiera, era nada menos que Kiki de Montparnasse, la modelo más importante de aquellos años en el lugar más importante para el arte. Y a ella es a quien logra convencer para que pose ante una cámara fotográfica. Ella, después de alguna reticencia, acepta el reto y el resultado es la famosa fotografía de 1924.

Conviene recordar que Ray no pintó sobre la espalda de su amante las aberturas del violín, como se puede leer en algunas páginas de arte dedicadas a comentar esta obra. Copio lo que la página de Christie's (muy buena y completa) dice sobre el asunto: 

«Le Violon d'Ingres» se creó combinando una imagen que hizo de Kiki con los agujeros en forma de efe que realizó con su técnica de rayografía. Man Ray primero cortó los agujeros en forma de efe en una hoja de papel o cartulina, una lo suficientemente grande como para cubrir la superficie del papel fotosensible que planeaba exponer. Sabemos que debió usar un tipo de papel lo suficientemente opaco como para impedir el paso de la luz. Tras colocar una hoja de papel fotográfico debajo de su ampliadora, Man Ray habría colocado la plantilla de los agujeros en forma de efe sobre la hoja y encendido la luz, grabando así la forma de ambos agujeros en el papel fotosensible. Una exposición relativamente larga los convirtió en negros puros. Tras retirar la plantilla, insertó el negativo de Kiki en el portanegativos de su ampliadora y realizó una segunda exposición sobre la misma copia. Una vez revelada, la imagen de la espalda de Kiki se fusionó mágicamente con los agujeros que ya se habían grabado en el papel fotográfico.

Man Ray consiguió demostrar que la fotografía era también una manifestación artística, un técnica que permitía interpretar la realidad y aplicando la imaginación suficiente y dominando la técnica necesaria, podía convertirse en una incursión en los sueños, el sueño de todo surrealista. 

Con trabajos como este, la fotografía liberó a la pintura de tener que representar la realidad tal y como se ofrece ante nuestros ojos de manera inmediata, al mismo tiempo que nos enseñó a considerar la cámara fotográfica como un instrumento capaz de expresarse más allá de la figuración realista.

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RETRATOS DE AMANTES (Lytton Strachey), 42

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Lytton Strachey. Fuente: National Portrait Gallery

#retratosdeamantes 

Dora Carrington (1893 – 1932), aunque no perteneció al grupo de Bloomsbury tuvo una fuerte relación con sus miembros y muy es especialmente con el escritor Lytton Strachey, que es quien aparece retratado en este óleo sobre tabla, absorto en la lectura, con su característico mechón de cabello, sus gafas redondas y la barba, de la que se sentía muy ufano porque, según él, le hacía parecer un poeta decadente francés.

Carrington asistió a una escuela femenina que daba mucha importancia al conocimiento artístico; sus padres, además, le pagaron clases particulares de dibujo. Más adelante, obtuvo una beca para la Slade School of Art. Allí conoció a los hermanos Paul y John Nash, Christopher Nevinson y Mark Gertler. 

Carrington y Mark Gertler tuvieron una relación, también con el hispanista Gerald Brenan,  y aunque se casó con Ralph Partridge, con quien convivió la mayor de su vida fue con Strachey, a quien conoció en la casa de Sussex de Virginia Wolf. A partir de ese momento sus afinidades intelectuales hizo que la relación se estrechara. Sobre esta sintonía dejó escrito: Con Lytton, a veces, tengo conversaciones maravillosas (...) que no tienen que ver con este mundo, sino con actitudes y estados de ánimo, y con el propósito de la vida. Eso es lo que más me interesa de él.

Carrington no fue muy conocida como pintora en su tiempo, pues raramente firmaba sus obras y prácticamente no expuso. Sí trabajó durante un tiempo en el Omega Workshop. En cualquier caso, fue una experimentada retratista y paisajista, trabajó en artes aplicadas y decorativas, pintó sobre cualquier superficie que tuviera cerca, como letreros, tejas o muebles, decoró vajillas, e incluso diseñó la biblioteca de la casa donde vivió con Strachey y Partridge. Fue un artista todoterreno, muy polifacética, cuyo reconocimiento comenzó a crecer a partir de los años 70 del siglo pasado.

En 1932 puso fin a su vida con un disparo. Estaba atravesando una profunda crisis depresiva en la que parece que tuvo su influencia el fallecimiento de Strachey a causa de cáncer de estómago. Posiblemente sepáis que la vida de la pareja Carrington-Strachey se llevó al cine hace ya unas décadas, en 1995. En ella Emma Thompson interpretaba a Dora Carrington.

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Fuente: Wikipedia

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