Tertulias poéticas: 2026

domingo, 27 de septiembre de 2026

SINFONÍA DE LAS LAMENTACIONES, Henryk Górecki

La Sinfonía nº 3, Sinfonía de las lamentaciones, es la obra más conocida del compositor polaco Henryk Górecki (1903-2010) y una de las creaciones musicales más conmovedoras que conozco.

En cada uno de los tres movimientos de que se compone, una soprano canta un pequeño texto en polaco (el vídeo lo recoge en polaco y en castellano). El primero es un lamento del siglo XV, el segundo es una oración que una joven escribió en la pared de una cárcel de la Gestapo, el tercero es una canción popular en la que una madre busca a un hijo que los alemanes han matado.

Si la música es profundamente emotiva, aún lo es más la voz de la soprano.

Górecki comentó en alguna ocasión en que le preguntaron por esta obra: Ya se sabe lo que pasa entre polacos y alemanes. Pero Bach también fue alemán, y Schubert y Strauss. Cada cual tiene su sitio en este pequeño planeta.

Leo en Wikipedia: La versión fonográfica más conocida de esta pieza es, probablemente, la que en 1992 grabó la London Sinfonietta dirigida por David Zinman, teniendo como solista a la soprano estadounidense Dawn Upshaw, que vendió más de dos millones de copias.

Todos y cada uno de los días de esta semana la he oído en distintas versiones. Estoy enganchado a ella.

Interpretan: Polish National Radio Symphony y Beth Gibbons.

Dirige: Krzysztof Penderecki.

Que la música os sea favorable.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.

Moshe Dayan

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior): Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania). Guerras menores (1 000–9 999). Conflictos (100–999). Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

sábado, 26 de septiembre de 2026

¿DEMÓCRITO?, ¿EL GEÓGRAFO?, Velázquez

Demócrito o El geógrafo. Velázquez. Museo de Bellas Artes de Ruan.

Si hubiese leído con atención el catálogo de la famosa exposición sobre Velázquez de 1990, hubiera sabido que este lienzo se encontraba en el Museo de Bellas Artes de Ruan, pero no lo hice. Esto tiene de positivo que, cuando lo descubrí allí, la alegría por la sorpresa fue totalmente espontánea.

De lo que sí me acordaba era del lío del título y la anécdota de la transformación.

La historia del Demócrito de Velázquez —así lo tienen catalogado en el museo normando— es verdaderamente curiosa y está marcada por un cambio radical de identidad revelado por la tecnología moderna y un largo periodo de confusión sobre su autoría.

Originalmente, el cuadro no representaba al filósofo Demócrito —si es que lo representa— ni contenía un globo terráqueo. A través de análisis modernos por radiografía, los historiadores del arte descubrieron que Velázquez había pintado una versión anterior (hacia 1628) donde el personaje sostenía una copa o un vaso de vino en su mano izquierda.

En esa primera fase, la obra formaba parte de una serie costumbrista o alegórica, probablemente representando el sentido del gusto o una escena típica de taberna similar a su obra contemporánea Los borrachos.

Años más tarde (hacia 1639-1640), el propio Velázquez o un miembro muy cercano de su taller decidió repintar partes clave de la tela. Se eliminó el vaso de vino y se colocó la mesa con el globo terráqueo. Se modificó el rostro, el cuello blanco y la mano, aplicando una pincelada mucho más suelta, rápida y madura, característica de la etapa tardía de Velázquez.

Con este cambio, el personaje callejero e informal se convirtió en una representación idealizada de Demócrito, el filósofo griego que se reía de las locuras y la vanidad del mundo. Para lograr este "retrato imaginario", parece ser que Velázquez usó el mismo modelo de la corte que empleó para su célebre retrato del bufón Pablo de Valladolid.

Tras la muerte del pintor, el cuadro inició un viaje que ocultó su verdadero origen durante generaciones. La primera mención de la obra en Ruan data de 1792. En 1822 pasó a formar parte de las colecciones oficiales del Museo de Bellas Artes de Ruan, y durante más de un siglo el museo exhibió la obra bajo una premisa completamente errónea: se catalogaba como un retrato de Cristóbal Colón pintado por Jusepe de Ribera (El Españoleto). Su aspecto humilde, sus uñas sucias y su barba desarreglada confundieron a los expertos de la época.

No fue hasta que el erudito Gustave Le Breton lo atribuyó a Velázquez en una publicación de 1881, señalando su parecido con el hombre de la taza de vino de Los borrachos, cuando quedó descubierta la verdadera autoría. Los minuciosos análisis estilísticos de la técnica pictórica confirmaron la autoría y, desde entonces, pasó a ser considerado como una de las joyas de la colección del museo francés.

En cuanto a si estamos delante de un geógrafo o del filósofo Demócrito, la cosa no está muy clara.

Lo que vemos es un personaje con aire chistoso, que nos muestra la Tierra como un objeto de locura o disparate —¿es la burla del filósofo?—. El caso es que cuando Velázquez repintó esa cabeza pudo darle una expresión totalmente distinta a la que le atribuyó en un principio, por lo que caben perfectamente las hipótesis de que pudiera tratarse originariamente de un navegante o de un filósofo.

Posiblemente continuaremos sin saber a qué personaje quiso representar Velázquez, pero seguiremos admirando la maestría del pintor sevillano.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.

Moshe Dayan

Fuente: Wikipedia

viernes, 25 de septiembre de 2026

ALGUNOS RINCONES DE LA CIUDAD DE RUAN

#descubriendofrancia

La mejor manera de conocer una ciudad sea grande, mediana o pequeña es recorrer a pie sus calles, sus plazas, sus espacios. Y Ruan tiene un tamaño que permite con comodidad deambular descubriendo sus rincones. De hecho, es una ciudad de poco más de 100 000 habitantes, pero gracias a su larga historia y a pesar de los bombardeos e incendios que sufrió durante la segunda guerra mundial, conserva un gran casco histórico donde no es difícil encontrar casas de los siglos XVI y XVII.

Son algunas de estas edificaciones, con sus característicos entramados de madera y sus llamativos bajorrelieves, las que he recogido aquí casi de manera exclusiva.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.

Moshe Dayan

Fuente: Wikipedia

jueves, 24 de septiembre de 2026

ELENA ARRESE, "Suturas: espacio y paseantes"

Tomo el texto del folleto de mano que acompaña a la exposición, porque cuando lo que se dice, se dice bien, no es necesario añadir nada más, tan solo añado las imágenes.

La obra de la artista tolosarra Elena Arrese se inscribe en una línea expresionista y profundamente matérica, donde el color, la textura y las técnicas mixtas se convierten en vehículos para explorar la emoción, la memoria y la relación con la naturaleza. Formada junto a Matxin Labayen, ha desarrollado un lenguaje plástico propio, en el que confluyen pintura, ilustración, muralismo y escultura realizada con materiales reciclados.

Su práctica artística se caracteriza por una constante experimentación con los materiales y por una especial sensibilidad hacia sus cualidades físicas y expresivas. La incorporación de pigmentos, arenas, papeles, elementos reciclados y otras materias diversas no responde únicamente a una cuestión técnica, sino a una voluntad de investigación plástica que convierte la superficie de la obra en un espacio de descubrimiento

En este contexto, la abstracción se convierte en uno de los principales lenguajes de su producción. Lejos de la representación literal, Arrese construye atmósferas, ritmos y paisajes emocionales mediante gestos, superposiciones y vibraciones cromáticas que apelan directamente a la experiencia perceptiva del espectador. La fuerza de su abstracción reside precisamente en esa capacidad para sugerir, más que describir, abriendo espacios de interpretación donde materia, color y emoción se entrelazan.

El paisaje ocupa asimismo un lugar central en su trabajo, entendido no sólo como entorno natural, sino como construcción cultural y espacio de pertenencia. Sus referencias al territorio vasco y a otros paisajes que han marcado su trayectoria evocan los vínculos afectivos, sociales e identitarios que se establecen con los lugares habitados. Desde esta perspectiva, el paisaje aparece como un ámbito de memoria colectiva y experiencia compartida, donde la mirada personal de la artista dialoga con la historia, las transformaciones y las sensibilidades de una comunidad. De este modo, naturaleza, materia y territorio confluyen en una práctica artística que explora simultáneamente lo íntimo y lo colectivo.

SUTURAS: espacio y paseantes es una propuesta diseñada específicamente para articularse en las dos plantas del espacio Atari de Santa Teresa. A través de la pintura y la técnica mixta, el proyecto explora la capacidad de regeneración a partir de lo descartado, utilizando fragmentos y retales de la propia obra anterior de la artista para integrarlos en un nuevo cosmos.

Es una apuesta ética y estética que busca transformar el caos en un mapa de afectos, otorgando una segunda vida a materias y trabajos olvidados para convertirlos en reliquias contemporáneas que dialogan con el entorno.

La muestra busca un ritmo visual limpio que confronta el impacto del gran formato con la intimidad de la pieza pequeña:

-Los lienzos de gran formato (110x110 cm) sobre bastidor de madera: Funcionan como postales lejanas y material vegetal y marino que rodea la ciudad, contextualizando el entorno urbano y natural de Donosti con energía, color y materia.

-Las cajas de cristal (Obras sobre cartón 25x25 cm): Invitan al espectador a una mirada cercana y atenta, mostrando la intimidad de los paseantes y la esencia de la vida cotidiana protegida como una reliquia moderna.

-Esculturas de figuras antropomorfas: 13 piezas realizadas en técnicas mixtas con materiales de desecho. 10 obras medianas de 65/70x30x30cm y 3 piezas pequeñas de 35/40x20x20cm.