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jueves, 25 de diciembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (André Utter), 40

Adán y Eva. Fuente: Wikipedia. Original en el Centro Pompidou.


A Suzanne Valandon la conocíamos por el retrato que le hizo Toulouse-Lautrec (1864 -1901) y que aparece en el nº 32 de esta serie.

Suzanne Valandon (1865-1938) pasó de ser modelo para diversos artistas a convertirse en pintora profesional (en esta serie ya hemos visto más casos como este). Sus primeros pasos en ese difícil mundo se vieron reforzados el día que Degas compró un dibujo suyo —"Aquel día tuve alas"—.

Cuando su hijo, el pintor Maurice Utrillo, le presentó a uno de sus amigos, supuso el comienzo de otra de sus relaciones amorosas. Por entonces, Valandon estaba casada con un agente de bolsa y disfrutaba de una cómoda vida desde el punto de vista económico. André Utter (1886-1948), veintiún años más joven que ella, pasó a ser su modelo. Con esta pareja quedaron invertidos los papeles tradicionales. 

El cuadro es una clara celebración de su propia relación y eso se ve bien en la expresión de ella. Eva/Suzanne es una mujer feliz recogiendo la manaza. Más allá de la utilización de los colores, muy propia de la época —la obra es de 1909—, el tratamiento de la pareja es realista y honesta, pero hubo un pero. Para poder ser expuesto el óleo en el Salon des Independents de 1920, tuvo que añadir unas hojas de higuera que tapasen los genitales de André. 

a medida que se iba acercando más la posibilidad de una guerra, Utter insistió con mayor ahínco en que legalizaran su relación, cosa que hicieron en 1914. Mientras él participó en las trincheras, ella pasó a vivir con su madre y con su hijo, Maurice Utrillo. Una vez terminada la guerra, Utter fue quien se ocupó principalmente de gestionar la carrera artísticas de los tres, si bien los éxitos de Utrillo y Valandon como pintores siempre fueron superiores a los de él. 

La relación, aunque larga, no duró hasta el final de sus vidas, pero gracias a ella Utter ha pasado a tener un lugar en la historia del arte.


***
Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

lunes, 22 de diciembre de 2025

CASA DEL CORDÓN, VITORIA


La Casa del Cordón se encuentra en la almendra que forma el casco histórico de la ciudad. En la actualidad, y después de la restauración de 2009, es la sede de la Fundación Vital, pero, con buen criterio, ha quedado la torre interior accesible a la visita.

Esta casa-palacio se levanta una vez terminadas las guerras de bandos, a finales del XV o principios del XVI. Lo peculiar de ella es que se construye en torno a la torre defensiva medieval que hoy podemos ver en su interior, tal y como se puede apreciar en este plano de la planta baja que he reescrito a partir del plano que aparece en el libro Monumentos Nacionales de Euskadi, Alava, Gobierno Vasco, 1985 (la planta de la torre medieval es la zona cuadrada de menor tamaño):



Ni la casa ni la torre son hoy tal y como se construyeron, pues las reformas han sido numerosas a lo largo del tiempo, pero cuanto en este momento se conserva y podemos apreciar tiene el suficiente atractivo como para realizar una visita (guiada o sin guiar). 

El primer atractivo es la fachada, donde aparecen cuatro elementos decorativos: el cordón de la orden de san Francisco, que es el que da nombre al palacio; el medallón donde se puede ver al santo arrodillado ante la cruz en el momento de la imposición de las llagas; el escudo de los RRCC sobre la pequeña puerta de arco carpanel (el escudo es anterior a la conquista del reino de Granada), debajo de él está la marca comercial de los Sánchez Bilbao, propietarios de la casa-palacio; y el anagrama de Jesús (JHS) sobre la puerta ojival de la izquierda que, según parece, difundió otro franciscano, san Bernardino.




Pero el atractivo mayor es la espléndida bóveda estrellada de terceletes totalmente policromada. La plementería —los espacios entre nervio y nervio— representa el cielo nocturno con un estupendo azul Francia y estrellas doradas


En la clave central volvemos a ver el escudo de los RRCC, pero ahora con el águila tenante y la orla de granadas, lo que indicaba que el reino nazarí ya había sido conquistado. De hecho, Isabel y Fernando estuvieron alojados en este casa durante la visita que hicieron a la ciudad en 1483, cuando la reina Isabel acudió a jurar sus fueros. Más adelante también se hospedarían Adriano de Utrecht y, probablemente, Carlos V.


En el escudo se aprecian bien las representaciones de Castilla, León, Aragón y las Dos Sicilias.

Otra de las claves secundarias representa a un personaje trajinando con un paño, una clara alusión al oficio de mercaderes de los dueños.


Decoración de las nervaduras:


Existen otras cuatro claves secundarias en las que se pueden ver un águila, un grifo, un unicornio y un dragón alado.


La bóveda descansa sobre cuatro ménsulas como esta con figuras de león. Este sostiene una rama en "Y" con dos granadas. En el lomo tiene grabado un año, el 1962, es el de la penúltima restauración que permitió abrir al público esta sala durante unos pocos años. Posteriormente se volvería a cerrar hasta la última restauración, esta de carácter integral, la de 2009. 


Pasillo inferior que permite rodear casi completamente la torre medieval y acceder a la sala inferior donde se han colocado unos paneles para explicar la historia del edificio y unos muebles de la época para ambientar.




Una visita obligada si se acude a la capital del País Vasco.


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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

jueves, 18 de diciembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (Dorelia McNeill), 39

Dorelia Mcneill. Fuente: Tate.


Yo diría que la historia de Dorelia McNeill (1881-1969) y Augustus John (1878-1961) es una historia singular si la comparamos con la del resto de los mortales que habitamos la Tierra, pero diría que se trata de una historia típica dentro del mundo artístico.

Dorothy McNeill, a quien el pintor pidió que se cambiase el nombre para que sonase más exótico, nació en Camberwell, era hija de un oficinista y la cuarta de siete hijos, típica familia numerosa de la época. Mientras asistía a la Escuela de Arte de Westminster en 1903, conoció a Gwen John —hermana de Augustus— quien a su vez la presentó a su hermano. Ese año, Gwen y McNeill viajaron juntas a pie por Francia. Durante una estancia en Toulouse, Gwen John pintó varios óleos de McNeill, incluyendo "Dorelia con un vestido negro ", antes de que ambas se trasladaran a París, donde compartieron alojamiento brevemente en 1904. Se ha dicho que Gwen John sentía algo por McNeill, qué era y de qué intensidad, no lo sabemos.

La joven McNeill se fue a Brujas con un artista belga, hasta allí fue Augustus —el hermano de Gwen—, y al cabo de un tiempo regresaron ambos a Inglaterra. Vivieron en trío Augustus John, la esposa de este, Ida Nettleship, y ella, en ocasiones, formando parte de una caravana gitana que luego incluiría a los hijos que John tuvo con ambas mujeres. Así se mantuvieron hasta la muerte de Nettleship en 1907. A partir de entonces ella se convirtió en la figura femenina principal en la familia John. Más tarde, animada por el propio Augustus, tuvo una aventura con el pintor Henry Lamb

Quienes conocieron a Dorelia decían que era una mujer de una belleza extraordinaria. Algo se intuye en el retrato, lo mismo que su originalidad a la hora de vestir, pues llevaba faldas muy largas —no eran la moda de la época—, elaboradas por ella misma con telas finas y, hasta donde podemos suponer por los retratos que se conservan, era una amante del color negro. 

El óleo emana ternura y originalidad. estamos claramente ante una obra del siglo XX, pero no es una obra vanguardista. Sin duda estamos ante la obra de un consumado y enamorado retratista. Los que realizó a  T. E. Lawrence, Thomas Hardy, W. B. Yeats, Aleister Crowley, Lady Gregory, Tallulah Bankhead, George Bernard ShawGuilhermina Suggia, la marquesa CasatiElizabeth BibescoDylan Thomas hablan claramente de su maestría.

aquí vemos a la modelo al aire libre, sola, delante de un paisaje más o menos yermo, sola, segura y sonriente. Su chaqueta negra y su falda verde oscuro se encuentran bien silueteadas, como la curiosa valla sobre la que parece apoyarse. La blusa se muestra de manera ocasional y sugerente. Es un retrato aparentemente austero, pero lleno de vistosos contrastes que le dan un aire de espontaneidad y frescura. bohemia libre plasmada en un lienzo.


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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
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jueves, 11 de diciembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (Emilie Flöge), 38

Emilie Flöge. Fuente: Wikipedia.
#retratosdeamantes

He dudado mucho antes de incluir en esta serie el retrato de tamaño natural que hizo Gustav Klimt de Emilie Louise Flöge, diseñadora y empresaria austriaca, pues la afirmación de que fueron amantes se basa en las historias que se van contando, mas no hay ningún documento donde la una o el otro hablen de esa relación. 

Es cierto que pasaron un tiempo juntos, pero quizás la razón de haber compartido tiempo y trabajo se deba más a la relación familiar (ella era su cuñada) y a que cuando murió el hermano de Klimt, este se convirtió en una presencia constante en la casa. Fuera su relación la que fuese, yo no puedo afirmar que llegaran a ser amantes, ni tampoco que no lo fueran.

Lo que sí sé es que a Klimt no le gustó cómo había quedado el retrato; incluso peor, a la familia de ella le resultaba desagradable. Con tanto rechazo no es de extrañar que se deshicieran de él y lo vendieran al museo de Viena, que es donde se encuentra desde entonces. En cualquier caso, ella continuó siendo la musa inspiradora de muchos cuadros del artista. Por cierto, él también colaboró diseñando algunos vestidos para el taller de ella, lo que demuestra la buena relación que hubo entre ambos. 

En cuanto al óleo, puro estilo Klimt, está dentro del Art Nouveau y la Secesión Vienesa, cuya característica más sobresaliente era que todo cuanto se hiciera tuviese un alto valor decorativo, ornamental y representase algún tipo de simbolismo. Los fondos dorados y los patrones abstractos (líneas, puntos y figurillas geométricas) son, tal vez, el elemento más propiamente klimt de cuantos podemos observar en sus trabajos.

Asimismo resulta interesante señalar esa conexión artística e intelectual entre ambos, puesta de relieve por medio del vestido con que ella aparece, donde se puede apreciar ese impulso creador coincidente en formas, gustos y detalles. 

Para quienes gustan de que les cuenten las biografías a través del cine, debo recordar aquí que en 2006 se estrenó la película Klimt, en la que Emilie Flöge es interpretada por Veronica Ferres y Gustav Klimt por  John Malkovich. Pero recordad que es una película, no un ensayo biográfico. 


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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
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jueves, 4 de diciembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (Rodin), 37

Retrato de Auguste Rodin. Fuente: Museo Rodin.



Esta entrega número 37 de la serie es el complemento o, si lo preferís, el reverso de la número 31. Si en la anterior aparecía una cabeza de la amante realizada por Auguste Rodin, en esta es el amante quien aparece representado por obra de Camille Claudel (1864-1943).

Como ya comenté en la entrada anterior la relación entre ambos artistas y el final desgraciado de Camille, a ella remito, pero si alguien está interesado en saber más puede leer el trabajo de 
Mathias Morhardt, Mademoiselle Camille Claudel (en francés) o el de Odyle Ayral-Clause, Camille Claudel: A life, mucho más moderno, más extenso y mejor documentado, pero está en inglés. 

Si sois de poco libro y más de que os cuenten historias desde la pantalla, hay una peli de 1988, La pasión de Camille Claudel, que dirigió Bruno Nuytten, en la que Isabelle Adjani hacía de Camille y Gérard Depardieu de Rodin. En 2013 apareció otra película dirigida por Bruno Dumont, bajo el título de Camille Claudel 1915. En esta era Juliette Binoche quien hacía de Camille. 

Por cierto, existe un Museo Camille Claudel, que se inauguró en 2017, Nogent-sur-Seine, una población situada a pocos kilómetros al sureste de París.

En cuanto a la escultura que representa la cabeza de Rodin hay que decir que es una obra realizada en bronce, de carácter naturalista (eso salta a la vista). Se expuso por primera vez en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes en 1892 y supuso el reconocimiento como escultora consagrada de su autora. En la actualidad, la obra suele ser utilizada como el símbolo distintivo de las exposiciones que se realizan en torno a Rodin.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
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jueves, 27 de noviembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (Teha'amana), 36

 
Manaò tupapaú (Espíritu de los muertos vigilando), Fuente: Buffallo Art Museum


#retratosdeamantes

Gauguin (1848-1903) no tuvo precisamente eso que podríamos llamar una vida tranquila y asentada. Ya sus orígenes fueron un tanto singulares: era hijo de un periodista antimonárquico, Clovis Gauguin, y de Aline Marie Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, quien a su vez, según algunas biografías, era hija de Simón Bolívar. Tras el golpe de estado de Napoleón III, la familia se trasladó a Perú. En el viaje murió el padre, cuando el futuro pintor tenía año y medio. Su vida será un ir y venir por lugares y trabajos. Por los trabajos, hasta que decidió dedicarse a la pintura. Por los lugares, hasta que un día la muerte le alcanzó en la Polinesia.

Su original y fácilmente reconocible estilo posimpresionista alcanza la madurez expresiva en la práctica de lo que se conoce como cloisonismo (pintura basada en las grandes áreas de color plano y bordes muy acentuados), luego evolucionará hacia el sintetismo (se quiere sintetizar la forma, las emociones del autor hacia el objeto que representa y el color). Pero vayamos con el óleo de hoy, que es lo que nos interesa.

La figura central de esta pintura es una joven tahitiana llamada Teha'amana, que yace boca abajo y mira de reojo hacia el lado contrario donde se sitúa la figura vestida de negro. Gauguin dijo que intentó representar el miedo polinesio al tupapaú, o espíritu de los muertos, que es quien aparece aquí, al otro lado de la cama, enfundado en un ropaje negro. En la pared, detrás de la cama, hay varias formas blancas, con apariencia de pluma, que el artista describió como luces fosforescentes y que, según él, ejemplifican el interés de los espíritus por los vivos.

De hecho, Gauguin describe la escena en su diario Noa Noa. Según cuenta en él, un día que volvía a su cabaña ya tarde y en el que por falta de provisiones se había quedado sin alumbrado, encendió una cerilla para no tropezar y vio a Tehura (así llamaba él a Teha'amana), inmóvil, desnuda, tumbada boca abajo en la cama, con los ojos desmesuradamente abiertos por el miedo (…) parecía que un resplandor fosforescente le brotaba de aquellos ojos con la mirada fija (se refiere al espíritu).

A partir de eso que nos cuenta, podríamos pensar que la niña, (según dice Gauguin, tenía tan solo trece años) está atemorizada por el espectro. Posteriormente, optó por una explicación más intelectual y se refirió a esta pintura como un trabajo que contenía una serie de dualidades: juventud y vejez, luz y oscuridad, vida y muerte. 

Es difícil saber qué era lo que estaba pensando Gauguin cuando pintó a su amante de aquel momento en esa situación. Las creencias polinesias, el simbolismo de la época, la propagación de las doctrinas teosóficas y toda la parafernalia de supersticiones varias en torno a espíritus, muertos y seres varios de la naturaleza imaginaria que durante el final del siglo XIX poblaban la imaginación de buena parte de la sociedad, hacen difícil cualquier explicación sobre el contenido de la obra que pretenda ir más allá de lo que a primera vista vemos. El misterio de la obra crea espacio para un amplio debate abierto en torno a su contenido, así como a la intención del artista.

De Teha'amana, la adolescente que yace boca abajo en la cama, no he podido averiguar nada, salvo que fue la compañera del artista durante los dos años que permaneció en Tahití durante su primera estancia, de 1891 a 1893, y que cuando regresó a Tahití en 1895, Teha'amana se veía a sí misma como casada convencionalmente de acuerdo con sus costumbres locales, pero para él el matrimonio que había celebrado con arreglo a esas costumbres y formas polinesias no era nada más que un acuerdo temporal, sin ningún valor legal. 

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

lunes, 24 de noviembre de 2025

TRINIDAD CON TETRAMORFOS... Y ALGO MÁS

Tanto en la página oficial de la catedral de Segovia como en la cartela que acompaña a la obra se puede leer esto:

TRINIDAD CON TETRAMORFOS


Maestro de los Claveles, finales s. XV

“En nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo”. Esta breve oración proclama cotidianamente el misterio cristiano de la Santísima Trinidad. Para representar este misterio, que como tal escapa a la razón, las artes plásticas han recurrido a varias fórmulas simbólicas. Esta es una de ellas: el Trono de Gracia. El Padre Eterno, sentado en un trono, sujeta la cruz en la que está clavado el Hijo; entre ambos se representa al Espíritu Santo en forma de paloma.

La presencia de los símbolos de los cuatro evangelistas alrededor del trono recuerda a las representaciones medievales de Cristo en Majestad. Lo mismo sucede con el rostro de Dios Padre, visto de frente con las orejas de perfil.

El autor de esta tabla —al que conocemos simplemente como Maestro de los Claveles— trabaja a finales del siglo XV. Desde su Castilla natal se esfuerza por absorber algunos aspectos del gusto hispano-flamenco que se va imponiendo, como los pesados pliegues geométricos. La representación del espacio le plantea dificultades, pero se redime en la realización de las figuras.

Un detalle curioso: dos de las filacterias donde aparecen los nombres de los evangelistas están intercambiadas.
[Tradicionalmente se representan así: el hombre es Mateo, el león es Marcos, el toro es Lucas y el águila es Juan. Las representaciones de Marcos y Mateo son las que están intercambiadas].


Un comentario informativo, objetivo y preciso. Se podría seguir ofreciendo más información sobre la técnica, el uso del color, la disposición de las figuras, la distribución del espacio..., pero a mí lo que verdaderamente me llamó la atención fue un pequeño detalle que aprecié cuando me acerqué más:


Efectivamente, los ojos de esa paloma-Espíritu Santo. Las patas también tienen su gracia, pero esos ojos bizcos de la paloma, si son obra voluntaria y consciente del maestro, sin caer en la irreverencia, me parecen un aporte humorístico y de fantasía en toda su espléndida magnitud. Es posible que no haya Espíritu Santo más turulato ni más estupefacto en toda la pintura religiosa occidental. ¿Será por lo de la confusión en las filacterias o será por cómo está el mundo? Desconozco la razón, pero a mí me parece muy simpático.

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Moshe Dayan  



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jueves, 20 de noviembre de 2025

RETRATOS DE AMANTES (Marthe Meurier), 35

Minué de la princesa Maleine o Marthe al piano. Fuente: Museo de Orsay.

 

Maurice Denis (1870 - 1943) realizó este cuadro de la que entonces era su novia, Marthe Meurier, en 1891, es decir, cuando todavía estaba iniciándose en su carrera como pintor, pero en él ya apreciamos algo que será una constante en su obra. En un breve ensayo publicado en 1890 en la revista Art et Critique dejó escrito: Recuerden que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo femenino o una especie de anécdota, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un orden determinado. Esta idea y el tratamiento pictórico que implica marca el quehacer de Denis y tendrá una notable influencia en el grupo al que pertenece, los nabis

El mismo año en que redactó el texto que acabamos de leer, se produjo el encuentro con Marthe Meurier. Tuvieron un largo período de noviazgo, documentado en su diario con todo lujo de detalles y reflexiones. Se casaron dos años después de conocerse, el 12 de junio de 1893. Ella se convirtió en una parte fundamental de su arte (aparece en numerosos trabajos, tanto óleos como obras de carácter decorativo, como abanicos pintados, y en muchas ocasiones como una figura idealizada que representa la pureza y el amor. Era, está claro, su musa.

En este lienzo vemos a la que entonces era la prometida del artista al piano y una clara configuración de todos y cada uno de los elementos representados para enfatizar su individualidad: el papel pintado de la pared, la partitura en un tono claro que contrasta, las suaves líneas curvas del delantal, el vestido oscuro más significativo por la falta de sombras, la indefinición del espacio entre cada elemento... Todo está acentuando el carácter plano de la obra que tenemos delante.

Pero por encima de todo destacan las manos y el rostro de la amada. Es como si  todos y cada uno de los elementos que la rodean estuviesen ahí para destacar su belleza y su serenidad, su estar en el mundo de una manera plena y satisfactoria, que es una forma de transmitirnos lo que él sentía por ella: Gracias a ella he recuperado la inocencia de la fe, el gozo de estar bien sin tristezas. De ella recuperaré el don de las lágrimas y la locura de la auténtica esperanza (de su diario).

Marthe, al igual que Maurice, sentía una gran inclinación por la música. El título de la partitura, sin embargo, es el de una obra de Maeterlinck, hoy perdida, mientras que el minué fue compuesto por un amigo. Los motivos de la cubierta funcionan como símbolos de los rasgos espirituales de Marthe. Una mujer se inclina para recoger flores de la tierra, otra alza los brazos hacia el cielo: amor por la belleza natural y profunda espiritualidad, características muy presentes en el movimiento nabi, que de hecho significa profeta en lengua hebrea.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  



Fuente: Wikipedia
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