RETRATOS DE AMANTES (Gala), 44

Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro. Fuente: Museo Dalí.

 

#retratosdeamantes

Primera advertencia: si estáis viendo esta obra en la pantalla de un ordenador, la estáis viendo a un tamaño mayor que el que la obra tiene (6,8 x 8,8 cm).

Segunda advertencia: los símbolos e imágenes que utiliza el surrealismo son de carácter onírico, lo que quiere decir que carecen de explicación racional. La crítica más atrevida suele proponer interpretaciones que pueden ser atractivas como hipótesis, pero nada más que como hipótesis. Que cada cual decida por sí mismo qué es lo que quiere interpretar.

Tercera advertencia: un par de citas (habla Dalí):

En cuanto estuvimos instalados en Portlligat, pinté un retrato de Gala con un par de costillas crudas encima de su hombros. Esto significaba, como supe más tarde, que en vez de comérmela a ella, había decidido comerme un par de costillas crudas. (…) Mis representaciones comestibles, intestinales y digestivas de aquella época fueron adoptando un carácter cada vez más insistente.

Me gustan las chuletas y me gusta mi mujer. No veo ninguna razón para no pintarlas juntas.

Cuarta y última advertencia: a los surrealistas les entusiasmó La interpretación de los sueños (Freud), lo que no quiere decir que se dedicaran al psicoanálisis, sino que allí encontraron una magnífica fuente de inspiración y de imágenes.

Y ahora un poco de cotilleo social: Gala (Elena Ivánovna Diákonova) fue una rusa que cuando tenía 19 años ingresó en un sanatorio de Clavadel, cerca de Davos, a causa de una tuberculosis. Allí conoció a Paul Eluard, con quien se casó en 1917. Después de pasar por un trío con Max Ernst y constituirse en musa de los surrealistas, conoció a Dalí, con quien pasó a vivir el resto de su vida. Gala no solo fue la pareja de Dalí, sino también su musa y su agente artístico, asunto organizativo para el que ella estaba muy bien dotada, mientras él era un ser puramente creativo, pero absolutamente negado para otras tareas de carácter más pragmático.

Intentar una aproximación medianamente significativa al contenido de este pequeño óleo me resulta una tarea imposible, pero me parece muy cautivador el retrato que hace de ella, en el que podemos observar a una mujer abandonada al placer de disfrutar del momento, sea este el que sea (tomar el sol, salir del reciente sueño, sentir la proximidad de la persona que ama mientras la retrata...). El porqué del entorno en la que está inscrita lo desconozco totalmente y no me sirve recurrir al viejo truco de justicarlo por la tendencia del autor a pintar ruinas, ni al año en que se produce (1933). 

Lo de la chuleta que toca el hombro de la amada en un equilibrio imposible simplemente me parece una de esas ocurrencias de Dalí, personaje excéntrico donde los haya y uno de los mayores y mejores creadores de imágenes irreales. Creo que sus propias palabras son suficiente justificación. Lo verdaderamente importante sigue siendo el rostro de ella.

Para saber más:

Vida secreta de Salvador Dalí. Salvador Dalí. Fundació Gala-Salvador Dalí, Madrid, 2003.
Salvador Dalí desde el Psicoanálisis. Ana Iribas. Arte, Individuo y Sociedad, 2004, vol. 16.
Salvador Dalí. Taschen, 1988.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

ETIMOLOGÍA DE LA MITOLOGÍA

Zeus de Olimpia

En numerosas ocasiones recurrimos a la etimología de una palabra para afinar o entender mejor el significado de la misma. Otro tanto ocurre con la filosofía, el arte, las creencias, el pensamiento en general. 

En este caso, voy a señalar algunas de las representaciones, es decir, el aspecto que ha llegado hasta nosotros de un amplio muestrario de la iconografía cristiana o si lo preferís de la iconografía judeo-cristiana.

Si comenzamos por la figura principal del mundo cristiano, Dios Padre, hay que decir que su etimología, viene dada por la gran escultura que hizo Fidias del jefe de dioses del panteón griego para el templo de Olimpia, especialmente la cabeza. La cabeza de Zeus fue el modelo que sirvió para representarlo.

Eros

Los ángeles, esos seres bondadosos y alados, seguro que ya os habéis dado cuenta, proceden de las imágenes antropomorfas con alas de dioses menores del panteón griego como los Eros, las Nikes o los Vientos o la diosa Lasa de los etruscos, que era la diosa encargada de acompañar a las almas de los muertos.

El demonio fue una de las figuras principales hasta que hace no mucho tiempo la iglesia católica apeó de su esquema del más allá el concepto del infierno. El demonio era la personificación del mal, el señor de lo oscuro. Pues bien, la representación iconográfica de este ser procede del dios Pan, el que tocaba la siringa por los campos, tenía cuernos, patas de macho cabrío y barba puntiaguda. Todo un elemento que se dedicaba a perseguir doncellas.

San Cristóbal, conocido también como san Cristobalón o por ser la imagen que mucha gente hace años colgaba del espejo retrovisor dentro del coche, ya que era el santo protector de conductores. Era, porque ya no es. La iglesia lo quitó del santoral cuando se dio cuenta de que no era nada más que una leyenda medieval. La imagen la tomó de la representación del Orión ciego que llevaba al pequeño Cedalión sobre sus hombros para que este lo guiara hasta donde sale el sol, quien le devolvería la vista. 

Pero de todo este trasvase iconográfico a mí el que más me gusta, tal vez porque le dediqué un poema o porque he contado su historia muchas veces durante las noches de verano, es Perseo, es decir, san Jorge. La coincidencia en formas y actividad es absoluta: el gran héroe capaz de enfrentarse al monstruo para liberar a la princesa. 

Perseo de Tiziano

San Jorge de Paolo Uccello

Hay más etimologías, pero algunas no son tan evidentes, las transformaciones sufridas son muchas a lo largo del tiempo, incluso han cambiado de sexo. Algunos ejemplos: Hefesto-santa Águeda, Poseidón-san Nicolás, Artemisa-san Huberto, Apolo-santa Cecilia...

En fin, que nos alimentamos de la tradición y a medida que pasa el tiempo vamos introduciendo variantes. Variantes que luego olvidamos hasta perder la pista de su origen, lo mismo que ocurre con las palabras.

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Kiki de Montparnasse), 43

Le violon d'Ingres. Fuente: Christie's

#retratosdeamantes

¿Por qué el violín de Ingres? 

Lo primero que es necesario recordar es que Ingres no solamente fue un excelente pintor, sino también un más que aficionado violinista. Eso, más uno de los desnudos de espalda más famosos de la historia de la pintura, La bañista de Valpinçon, nos dan las referencias para entender el título de la fotografía y hacia dónde apuntaba Man Ray con esta obra. 

Emmanuel Radnitzky (1890-1876) fue un artista de origen judío que trabajó con Marcel Duchamp en Nueva York durante el año 1920. Después de eso, y supongo que por influencia del propio Duchamp, se trasladó a París, Montparnasse concretamente, donde se concentraba el mayor y más inquieto colectivo de artistas del momento. 

También hay que tener en cuenta las circunstancias. Ray no era un fotógrafo. Era un pintor que deseaba dominar la fotografía para fotografiar sus cuadros. Y era un artista que descubre el dadaísmo con Duchamp, y una vez en París se siente atraído por los preceptos surrealistas.

Así, pues, en un juego surrealista, transforma la espalda de la modelo en el violín que tanto le gustaba tocar a Ingres, muy conocido por sus pinturas de desnudos femeninos. Pero la modelo no era una modelo cualquiera, era nada menos que Kiki de Montparnasse, la modelo más importante de aquellos años en el lugar más importante para el arte. Y a ella es a quien logra convencer para que pose ante una cámara fotográfica. Ella, después de alguna reticencia, acepta el reto y el resultado es la famosa fotografía de 1924.

Conviene recordar que Ray no pintó sobre la espalda de su amante las aberturas del violín, como se puede leer en algunas páginas de arte dedicadas a comentar esta obra. Copio lo que la página de Christie's (muy buena y completa) dice sobre el asunto: 

«Le Violon d'Ingres» se creó combinando una imagen que hizo de Kiki con los agujeros en forma de efe que realizó con su técnica de rayografía. Man Ray primero cortó los agujeros en forma de efe en una hoja de papel o cartulina, una lo suficientemente grande como para cubrir la superficie del papel fotosensible que planeaba exponer. Sabemos que debió usar un tipo de papel lo suficientemente opaco como para impedir el paso de la luz. Tras colocar una hoja de papel fotográfico debajo de su ampliadora, Man Ray habría colocado la plantilla de los agujeros en forma de efe sobre la hoja y encendido la luz, grabando así la forma de ambos agujeros en el papel fotosensible. Una exposición relativamente larga los convirtió en negros puros. Tras retirar la plantilla, insertó el negativo de Kiki en el portanegativos de su ampliadora y realizó una segunda exposición sobre la misma copia. Una vez revelada, la imagen de la espalda de Kiki se fusionó mágicamente con los agujeros que ya se habían grabado en el papel fotográfico.

Man Ray consiguió demostrar que la fotografía era también una manifestación artística, un técnica que permitía interpretar la realidad y aplicando la imaginación suficiente y dominando la técnica necesaria, podía convertirse en una incursión en los sueños, el sueño de todo surrealista. 

Con trabajos como este, la fotografía liberó a la pintura de tener que representar la realidad tal y como se ofrece ante nuestros ojos de manera inmediata, al mismo tiempo que nos enseñó a considerar la cámara fotográfica como un instrumento capaz de expresarse más allá de la figuración realista.

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Moshe Dayan  

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REGALOS DEL DÍA (Diario de un epicúreo agradecido), 33

#regalosdeldía

#diariodeunepicúreoagradecido

Estos regalos no son de  hoy, me los he encontrado en una carpeta mientras andaba buscando un texto de José Asunción Silva. Gracias a esa búsqueda los he recuperado. 

El primero es nada menos que un calvario de Miguel Ángel. Tiene un formato muy pequeño, está protegido con un grueso cristal dentro de un nicho con una iluminación infame, a prueba de cualquier fotografía (aquí podéis verlo bien). Se encuentra detrás del altar mayor, en lo que podríamos entender como girola, si el templo la tuviese, de la concatedral de Logroño. El texto explicativo está situado a la izquierda de la tabla, desde la posición del espectador

 El segundo regalo es el siempre esquivo y difícil de fotografiar martín pescador. Después de intentarlo muchas veces, logré captar esta imagen. Nunca se acercaba a menos de 40 metros y cuando lo hacía, tampoco se estaba quieto nada más que unos instantes. Tardé casi media hora en conseguir una fotografía suya... y de una calidad que deja mucho que desear.

El tercer regalo es sin lugar a dudas el más sencillo de conseguir; de hecho, puedo disfrutar de él cualquier día y a cualquier hora... siempre que el edificio esté abierto. Es la fuente permanente que está en la planta baja del Centro de Recursos Medio Ambientales de Cristina Enea, un remanso de paz y de sosiego que siempre tiene alguna exposición interesante.

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UNA MAÑANA EN EL MUSEO BONNAT

Podía haber salido un día lluvioso, frío, desagradable; pero no, salió un día luminoso, como el arte mismo.

El Museo Bonnat, más propiamente museo Bonnat-Helleu, ha sido totalmente restaurado y ampliado y, después de 14 años de obras, volvió a abrir sus puertas al público el 27 de noviembre de 2025. Hoy es un espléndido museo de arte, moderno, agradable, con unas salas luminosas donde las obras respiran y se contemplan como en pocos museos. 

El museo se nutre principalmente de la colección del propio Bonnat, que es una colección importante, tanto por la obra propia del artista como por la que fue adquiriendo en vida. Pero no solo de la colección del artista bayonés. 

Nada más entrar, este espacioso y luminoso patio nos da la bienvenida:

Para una primera visita, es muy recomendable seguir el plano-guía que ofrece el propio museo, una sencilla hoja con las obras que han considerado más destacadas, reproducidas a pequeño tamaño y con una indicación de la sala en la que se encuentran. Al llegar a ellas, unas cartelas dobles, en color rojo, tienen unas indicaciones breves, pero muy sustanciales sobre la obra que tenemos delante (en francés y en euskera). Un ejemplo: 

Otra característica que me agradó mucho, aunque ya la he mencionado antes, fue lo bien iluminadas que están en general todas las obras, cosa que se puede ver en las imágenes que aquí pongo, pues ninguna de ellas recoge los típicos reflejos ni las zonas oscurecidas a pesar de estar sacadas con el teléfono.

Como se puede ver, en la colección Bonnat no hay solamente pintura, también hay obras que van desde la antigüedad más lejana hasta comienzos del siglo XX.

 

Un Greco. Hay más.

Obra de Rubens hay bastante.

La caridad romana, de Vouet.

Bañista, de Ingres.

Angelica y Rouggero sobre el hipogrifo, de Antoine-Louis Barye a quien Bonnet retrató. El retrato está al lado de la pequeña escultura.

Diana, de Doré.

El olvidado, de Émile Betsellère.

Un magnífico y lleno de modernidad  estudio de Bonnat.

Retrato de Madeleine Pascau, de Eugène Pascau.

La lucha de Jacob y el Ángel, de Bonnat.

El lago, Gabriel Deluc.

Algunos objetos de la colección de Antonin Personnaz.

Aspecto parcial de las sala 18, donde están expuestos buena parte de los retratos que realizó Bonnat.

Recreación de una sala de Paul Helleu —el otro artista que da nombre al museo— con objetos que formaron parte de su hogar. 

La mañana se me hizo corta, muy corta.

Aviso para despistados: Bonnat no es Bonnard. 

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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