EXPOSICIÓN EN OKENDO DE LOS TALLERES DE DONOSTIA KULTURA

Okendo Kultur Etxea

En la Sala Antigua (piso 2º), y solo hasta el 20 de junio, están expuestos los trabajos del alumnado de Donostia Kultura, de esta temporada que ya termina.

He tratado de recogerlos todos con el fin de que todas las personas que han expuesto estén representadas y en la esperanza de que, como no se aprecian los detalles, la gente se acerque y descubra qué obras son merecedoras de su atención, que seguro que hay más de una.

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RETRATOS DE AMANTES (Margherita Luti), 14

La fornarina. Rafael. Fuente: Wikipedia. Sitio original: Galería Nacional Barberini Corsini

#retratosdeamantes

Estamos ante un lienzo que representa el tan trabajado tema de la belleza de la mujer. El artista y la modelo ha sido y es un tema muy popular en la historia del arte y aquí se nos ofrece con un carácter totalmente profano, sin ningún atisbo de alusiones mitológicas ni religiosas, que eran las dos posibles justificaciones para representar sobre un lienzo el desnudo femenino en aquella época.

La imagen que nos ofrece Rafael es la de una mujer tranquila y satisfecha de posar, tal vez conocedora de su propia belleza. Además, contiene un par de sutiles elementos que nos hablan del amor o, si se prefiere, del afecto. El más evidente, por su visibilidad, es el brazalete del brazo izquierdo en el que el artista ha incluido su firma. El segundo, y de una referencia a los sentimientos más clara, es el anillo que lleva la modelo en el dedo anular de la mano izquierda.

Por lo que respecta al tocado no podemos decir nada más que se trataba de una moda propia de la época, sin ninguna alusión a ningún sentimiento. Se trata de una adorno al que se le ha añadido una perla para ofrecer un más alto relieve de elegancia y, acaso, como alusión velada al nombre de la modelo, Margarita, del griego Μαργαρίτης: perla. 

Se sabe quién es la persona que aquí aparece, la Fornarina, es decir, la hija del panadero, cuyo nombre era Margherita Luti. No sabemos con exactitud si hubo o no hubo una relación sentimental entre la modelo y el pintor. Según Vasari, que era un gran aficionado al anecdotario biográfico, y su Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos, sí fueron amantes y señal que cuando estaba próximo a la muerte, le dejó los medios para que llevase una vida decente. 

Según la crítica especializada ella es la modelo que aparece en otras obras de Rafael, si bien no hay la certeza absoluta de que sea así. Son estas: Donna velata, la Virgen de la silla, la Madonna de Foligno, El éxtasis de Santa Cecilia, El triunfo de Galatea y la Madonna Sixtina.Podéis juzgar por vosotros mismos.

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RETRATOS DE AMANTES (Diego Rivera), 13

Frida Kahlo y Diego Rivera, 1931. Frida Kahlo. Fuente: SFMOMA

#retratosdeamantes

En el texto que porta el pájaro que vuela sobre la cabeza de Frida Kahlo se puede leer lo siguiente: Aquí nos veis a mí, Frida Kahlo, junto con mi amado esposo Diego Rivera, pinté estos retratos en la bella ciudad de San Francisco, California, para nuestro amigo Mr. Albert Bender, y fue en el mes de abril del año 1931. Es decir, el óleo representa una realidad afectiva anterior a las convulsas relaciones que protagonizó la pareja unos pocos años después de este 1931 y antes de que ella se convirtiera en una artista reconocida y admirada. Él ya lo era en aquella época. 

Tal vez pueda sorprender el diferente tamaño de las figuras y aunque es cierto que Kahlo emplea con mesura, pero emplea, el uso de la escala como se hacía en la pintura populara o en la edad media, lo cierto es que él pesaba entonces 136 kg y medía 1,85 m; ella, en cambio, pesaba 45 y media 1,60 m, además de ser doblada por la edad de él (44 frente a 24). Donde sí existe un desajuste claramente intencionado es en la representación de los pies, posible alusión a la manera con que ambos se asentaban en el mundo.

Sea esto lo que quiera ser, lo cierto es que en todo retrato existe una negociación entre lo que es y lo que se quiere dar a conocer, entre lo que realmente se es y aquello que estamos dispuestos a mostrar. Y eso sin tener en cuenta la imagen que podamos tener de nosotros mismos, que puede resultar más compleja aún que la imagen que deseemos proyectar sobre un lienzo. 

Al margen del tamaño del amante, lo que aquí la artista nos ofrece es un típico retrato de boda al estilo colonial de aquella época, si bien podemos apreciar algunas sugerencias abstractas y hasta un recuerdo de las imágenes artísticas del antiguo Egipto con la característica plasmación del esquematismo hierático, la frontalidad y la casi desaparición de la perspectiva.

El original se encuentra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

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RETRATOS DE AMANTES (Maria Terpsithea), 12

Filis y Demofonte, Edward Burne-Jones. Fuente: Wikipedia.

#retratosdeamantes

María Cassavetti (Μαρία Τερψιθέα Κασσαβέτη) fue una artista británica de origen griego, de familia adinerada y de una gran belleza física, como lo fueron también sus primas  Marie Spartali y Aglaia Ionides, conocidas entonces como Las tres gracias. Las tres nacieron y crecieron en Inglaterra en el seno de adineradas familias griegas del siglo XIX. Las llegaron a ser artistas talentosas del movimiento prerrafaelista.

En julio de 1861 se casó con el Dr. Zambaco, de ahí que también se la conozca como María Zambaco. Vivió con él en Francia y tuvieron dos hijos. El matrimonio fracasó y se marchó a Londres con sus hijos para vivir con su madre y convertirse en escultora. En 1866, su madre contrató a Edward Burne-Jones para que le pintara un tema mitológico (Cupido y Psique). Ella sirvió de modelo. Se enamoraron. 

La relación artística continuó y Burne-Jones solía pintarla en su estudio, hasta que en 1869 la esposa de él, Georgiana, encontró una carta entre sus ropas y él se vio obligado a poner fin a la relación. María amenazó con suicidarse con láudano y la historia de la tormentosa relación fue la comidilla de Londres. 

Aunque la relación terminó, Burne-Jones continuó pintándola, como por ejemplo, en El encantamiento de Merlín. 

Durante la década de 1880, Maria Terpsithea estudió escultura y fue alumna de Rodin. Falleció en París en 1914 y fue enterrada en la zona griega del cementerio de West Norwood. El nombre que aparece en su tumba es Maria Tepsithia Kassavetti.

Tal vez el óleo que mejor recoja su rostro y ese aire nostálgico tan típico de la pintura prerrafaelista sea el que se conoce como Retrato de Maria Zambaco

Fuente: Gallerix

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DE NALDA A VIGUERA PASANDO POR SAN ESTEBAN

Nalda

 Tal vez para mitómanos varios y coleccionistas de notoriedades diversas, Nalda sea el lugar al que acudir porque allí se rodó una película. Allá cada cual con sus motivaciones. Esta localidad riojana, en cualquier caso, es mucho más que eso.

Sea lo que sea lo que cada persona busque, uno de los encantos de esta localidad es pasear por sus calles y subir hasta los restos del castillo —interese o no la historia de las fortalezas medievales—. Una vez allí, podremos disfrutar de unas vistas excepcionales si el día está despejado.

Horizonte norte 

Las Palomeras, más o menos hacia el este

La vega del río Iregua y la espectacular "puerta" abierta
por la erosión de las aguas, horizonte el suroeste

"Pequeña roca" haciendo equilibrios

Después de poco más de 7 km, en la ladera del lado
izquierdo del Iregua se ve la cueva que acoge la ermita

Tras la subida por un estrecho y empinado sendero lleno de piedras sueltas que no facilitan el caminar, llega la recompensa: lo que queda de las pinturas murales en el interior de lo que, al parecer, fue iglesia en otro tiempo de un establecimiento cenobítico que debía de abarcar otras ermitas instaladas en las numerosas oquedades que abundan por la zona.

Aspecto general de la nave principal

En la zona del ábside se pueden apreciar sobre fondo rojo
cinco personajes identificados como apóstoles

Sobre un fondo amarillento, una representación de María reina

dentro de una mandorla que sostienen cuatro ángeles.

A izquierda y derecha, dos figuras de rey y reina de identificación discutible.

Para quienes estén interesados en una explicación más o menos detallada de la ermita, su historia y sus pinturas, el trabajo de Arteguías.com puede resultar de gran ayuda. 

Después de bajar por el sendero no apto para todo el mundo y subir por la ladera contraria, Viguera se convierte en un acogedor remanso con un amplísimo y magnífico mirador desde el que disfrutar durante mucho tiempo.

La parte del mirador con su cartel informativo (incluído el cielo nocturno)

La "puerta" desde el mirador

Un mural en la pared del túnel que hay bajo el ayuntamiento

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RETRATOS DE AMANTES (Jeanne Lohy), 11

Mujer de rojo y verde, Fernand Léger. Fuente: artsdot.com

#retratosdeamantes

¿Es el amor que siente una persona por otra la que lleva a representar la persona amada en un óleo? ¿Podríamos leer la obra plástica como un poema de amor? ¿Es la necesidad de trabajar con modelos del natural —un aprendizaje inexcusable y necesario para cualquier artista— la que empuja a solicitar la participación de la persona que se tiene más próxima emocionalmente? ¿Tiene el mismo valor afectivo representar la persona amada de forma que se reconozca —figurativamente— que si se realiza de manera abstracta?

Demasiadas preguntas para las que no tengo respuestas. 

Otro tanto podría decir sobre la inclusión de esta obra en la serie, puesto que solamente tengo un comentario sacado de un libro de arte, en el que no se dice otra cosa salvo que en ella se representa a Jeanne Lohy (1895-1950), a quien conoció justamente antes de la Primera Guerra Mundial y agrega a continuación que ella, mientras él estaba destinado a las trincheras, se disfrazaba de soldado para poder hacer el amor con él —quiero suponer que no precisamente en la trinchera misma—.

La historia es digna de una buena película o de una buena novela, pero lamento decir que no he podido hallar confirmación de la misma en ningún sitio. 

Fernand Léger (1881-1955) comenzó su andadura como pintor realizando trabajos de carácter impresionista, pero pronto dio un giro en su manera de expresarse y co.enzó a explorar las posibilidades del cubismo. Sin embargo, no tardó mucho en encontrar su propio estilo y, con el tiempo, terminó alejándose de lo que eran las concepciones geométricas un tanto rígidas del movimiento. Tal vez, el aspecto más destacado de su manera de pintar sea la utilización de colores muy vivos y llamativos que, además, irán adquiriendo un expresivo volumen, firma de la casa.

En Mujer de rojo y verde (1914) también se puede apreciar cierto movimiento, quizás influido por el famoso Desnudo bajando la escalera, de Duchamp, dos años anterior.

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MY NATIONAL GALLERY

El jueves de la semana pasada, 15 de mayo, estuve en el cine viendo este documental sobre la National Gallery. Me gustó mucho el enfoque que le han dado: por una parte, las opiniones en torno a una obra escogida de un personal diverso, aunque predominan las personas que trabajan dentro de la institución; por otra, la del historiador Jonathan Conlin, que se va intercalando para ofrecer una visión de conjunto del museo, desde su creación hasta hoy. 

Dicho así, podría parecer un documental aburrido, pero no lo es en absoluto. La diversidad de obras, de perspectivas, de situaciones y de relaciones con la obra seleccionada es tan rica, tan dinámica y tan poco académica, que hacen de la película un producto muy hermoso y entretenido. Por cierto, la última persona en aparecer comentando una obra, Peter Murphy, es maravillosamente conmovedora y quien con su alocución sirve para dar título al documental.

Y ahora os dejo aquí algunas otras de mi último paso por la National Gallery, que no aparecen comentadas en el documental, pero que bien podrían haber figurado en él:

Paisaje de invierno con iglesia, Friedrich.

El último viaje del «Temerario», Turner.

Bañistas de Asnières, Seraut,

Campo de trigo con cipreses, van Gogh.

La estación Saint-Lazare, Monet.

El Señor y la Señora Andrews, Gainsborough.

Casamiento a la moda, Hogarth

Experimento con un pájaro en una bomba de aire, Wright of Derby.

Venecia: el Gran Canal con la iglesia de san Simeone Piccolo, Canaletto.

Autorretrato a la edad de 63 años, Rembrandt.

Entendidos en una habitación con cuadros colgados, anónimo.

El origen de la Vía Láctea. Tintoretto.

Patio de una casa de Delft, Pieter de Hooch.

Perspectiva de pasillo con Anatomía del caballo de Stubbs al fondo.

Y un regalo final gracias a Dreamy Techno Soundscapes: el documental entero para quien no se asuste con el inglés. No sé si lo podrán mantener durante mucho tiempo, pero de momento está al alcance de todo el mundo.

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RETRATOS DE AMANTES (Daisy Hawkins), 10

Desnudo femenino (grabado en madera), Eric Gill. 25 nudes.

#retratosdeamantes

Eric Gill (1882-1940) dejó escrito en la introducción para su librito de grabados, 25 nudes, lo siguiente:

Al contemplar cuerpos y cuerpos humanos, el artista depende más de su vida y experiencia que en cualquier otra actividad. Somos criaturas que sabemos, queremos y amamos. ¿Qué sabemos, queremos y amamos? Digan lo que digan, nos conocemos, deseamos y amamos físicamente. No hay escapatoria ni negación. ¿Alguien quiere escapar o negar? Quizás los budistas quieran escapar; quizás los puritanos lo negarían. Pero el resto lo aceptamos y nos alegramos.

Los dibujos de desnudos, por lo tanto, ocupan un lugar especial en los asuntos humanos y una veneración especial, y como la vida humana no es solo cuestión de lágrimas y suspiros, sino también, e igual y más importante, de risas, naturalmente hay un lado cómico en todo esto. No seamos demasiado solemnes. El vello en el vientre es ciertamente muy favorecedor, pero también extremadamente divertido, tan divertido como el vello en la cabeza. El hombre es materia y espíritu, ambos reales y ambos buenos, y lo gracioso es sin duda parte de lo bueno. El cuerpo humano es, de hecho, un buen chiste; tomémoslo así.

Nada en la delicadeza y maestría de los desnudos que nos ofreció el artista y tipógrafo inglés, ni nada tampoco en los pocos párrafos de la introducción harían sospechar a una persona atenta a las explicaciones naturales que ahí aparecen sobre la representación del desnudo que Gill, un hombre profundamente religioso y entregado a su trabajo, también lo era hacia prácticas que hoy le habrían llevado directamente a la cárcel. Claro que de eso nada se supo hasta que apareció el libro publicado por Fiona MacCarthy en 1989, casi medio siglo después del fallecimiento del escultor. Lo que nos dice, una vez más, que la obra no siempre refleja lo que la persona es.

Pero este apartado va de amantes y hasta ahora nada he dicho de Daisy Hawkins, la mujer que sirvió de modelo para esta magnífica silueta.

La verdad es que poco he podido averiguar de la musa. Tan solo que llegó a casa de la familia acompañando a la madre, que pronto empezó a posar para él y que este se enamoró perdidamente de ella. Y esto lo sabemos gracias a la biografía que publicó MacCarthy y, por supuesto, a los diarios de Gill a los que la biógrafa tuvo acceso, porque en los diarios dejó anotados todo tipo de detalles de su vida personal y sexual, como hacía Victor Hugo.

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RETRATOS DE AMANTES (Leocadia Zorrilla), 9

Una manola: Leocadia Zorrilla. Fuente: Wikipedia

#retratosdeamantes

No siempre es fácil reconocer lo que vemos en una pintura de carácter figurativo. Solemos pensar que es más fácil interpretar o reconocer cuanto aparece en una obra de este tipo, porque las formas y figuras (de ahí el nombre) en ella recogidas se corresponden con las que podemos apreciar en la realidad. Pero no siempre es así y esta Una manola: Leocadia Zorrilla, aun teniendo un aspecto bastante sencillo, diría que aporta más enigmas que certezas.

Es cierto que la figura de la mujer está identificada, es Leocadia Zorrilla y Galarza. Ahora bien, no queda claro dónde se encuentra. Generalmente, se dice que es un cementerio, porque durante mucho tiempo fue costumbre rodear las lápidas con una verja similar a la que aparece detrás del ¿muro? sobre el que se apoya la mujer. 

Más dudas me plantea a mí saber que esta es una de las pinturas negras con las que Goya cubrió las paredes de su casa, la Quinta del Sordo. Y no parece que esta esté en consonancia con el resto, salvo la utilización tan reducida y apagada de colores. ¿Qué hacía compartiendo espacio con los miedos y obsesiones del pintor? ¿Cómo se explica que formara parte de ese círculo del terror en el que estaba El aquelarre o Saturno devorando a sus hijos? 

Otra cuestión que tiene mal encaje es por qué aparece ahí la única persona real, con la que compartió su exilio voluntario en Burdeos, era su ama de llaves en la Quinta y, hasta donde se sabe, se apreciaban mutuamente —no hay ninguna evidencia de que fueran amantes en el sentido tradicional de la palabra—, y Goya sentía gran estima por la hija de Leocadia, Rosario, una niña de diez años que tenía talento para el dibujo.

Para sembrar más dudas, cuando se examinó la obra con rayos X, se vio que el lugar ocupado por la posible tumba estaba ocupado por una chimenea (¿?) y que la protagonista de la escena aparecía con el rostro descubierto, es decir, sin velo. Pero esto poca importancia tiene, pues, a fin de cuentas, son rectificaciones, dudas, pruebas, que no forman parte de la intención final del artista.

Goya murió en Burdeos en 1824. Leocadia y Rosario regresaron a Madrid en 1833, después de promulgarse la amnistía, una vez muerto Fernando VII. Rosario se dedicó a realizar copias en el Museo del Prado, que luego vendía y con las que se ganaba el pan. En 1840 ingresó en la Academia de San Fernando y fue maestra de dibujo de las infantas Isabel (más tarde, Isabel ll) y Luisa Fernanda. Por qué estaba su madre entre las pinturas que cubrían todas las paredes de la Quinta del Sordo es un auténtico misterio para mí. 

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