RETRATOS DE AMANTES (Emilie Flöge), 38

Emilie Flöge. Fuente: Wikipedia.

#retratosdeamantes

He dudado mucho antes de incluir en esta serie el retrato de tamaño natural que hizo Gustav Klimt de Emilie Louise Flöge, diseñadora y empresaria austriaca, pues la afirmación de que fueron amantes se basa en las historias que se van contando, mas no hay ningún documento donde la una o el otro hablen de esa relación. 

Es cierto que pasaron un tiempo juntos, pero quizás la razón de haber compartido tiempo y trabajo se deba más a la relación familiar (ella era su cuñada) y a que cuando murió el hermano de Klimt, este se convirtió en una presencia constante en la casa. Fuera su relación la que fuese, yo no puedo afirmar que llegaran a ser amantes, ni tampoco que no lo fueran.

Lo que sí sé es que a Klimt no le gustó cómo había quedado el retrato; incluso peor, a la familia de ella le resultaba desagradable. Con tanto rechazo no es de extrañar que se deshicieran de él y lo vendieran al museo de Viena, que es donde se encuentra desde entonces. En cualquier caso, ella continuó siendo la musa inspiradora de muchos cuadros del artista. Por cierto, él también colaboró diseñando algunos vestidos para el taller de ella, lo que demuestra la buena relación que hubo entre ambos. 

En cuanto al óleo, puro estilo Klimt, está dentro del Art Nouveau y la Secesión Vienesa, cuya característica más sobresaliente era que todo cuanto se hiciera tuviese un alto valor decorativo, ornamental y representase algún tipo de simbolismo. Los fondos dorados y los patrones abstractos (líneas, puntos y figurillas geométricas) son, tal vez, el elemento más propiamente klimt de cuantos podemos observar en sus trabajos.

Asimismo resulta interesante señalar esa conexión artística e intelectual entre ambos, puesta de relieve por medio del vestido con que ella aparece, donde se puede apreciar ese impulso creador coincidente en formas, gustos y detalles. 

Para quienes gustan de que les cuenten las biografías a través del cine, debo recordar aquí que en 2006 se estrenó la película Klimt, en la que Emilie Flöge es interpretada por Veronica Ferres y Gustav Klimt por  John Malkovich. Pero recordad que es una película, no un ensayo biográfico. 

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Si quieres la paz, no hables con tus amigos; habla con tus enemigos.  

Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

Mapa de los conflictos armados en curso (número de muertes violentas en el año actual o anterior):      Guerras mayores (10 000 o más). Palestina, Ucrania, Sudán, Etiopía, Myanmar (Birmania).      Guerras menores (1 000–9 999).      Conflictos (100–999).     Escaramuzas y enfrentamientos (1–99).

RETRATOS DE AMANTES (Rodin), 37

Retrato de Auguste Rodin. Fuente: Museo Rodin.

#retratosdeamantes

Esta entrega número 37 de la serie es el complemento o, si lo preferís, el reverso de la número 31. Si en la anterior aparecía una cabeza de la amante realizada por Auguste Rodin, en esta es el amante quien aparece representado por obra de Camille Claudel (1864-1943).

Como ya comenté en la entrada anterior la relación entre ambos artistas y el final desgraciado de Camille, a ella remito, pero si alguien está interesado en saber más puede leer el trabajo de Mathias Morhardt, Mademoiselle Camille Claudel (en francés) o el de Odyle Ayral-Clause, Camille Claudel: A life, mucho más moderno, más extenso y mejor documentado, pero está en inglés. 

Si sois de poco libro y más de que os cuenten historias desde la pantalla, hay una peli de 1988, La pasión de Camille Claudel, que dirigió Bruno Nuytten, en la que Isabelle Adjani hacía de Camille y Gérard Depardieu de Rodin. En 2013 apareció otra película dirigida por Bruno Dumont, bajo el título de Camille Claudel 1915. En esta era Juliette Binoche quien hacía de Camille. 

Por cierto, existe un Museo Camille Claudel, que se inauguró en 2017, Nogent-sur-Seine, una población situada a pocos kilómetros al sureste de París.

En cuanto a la escultura que representa la cabeza de Rodin hay que decir que es una obra realizada en bronce, de carácter naturalista (eso salta a la vista). Se expuso por primera vez en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes en 1892 y supuso el reconocimiento como escultora consagrada de su autora. En la actualidad, la obra suele ser utilizada como el símbolo distintivo de las exposiciones que se realizan en torno a Rodin.

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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RETRATOS DE AMANTES (Teha'amana), 36

 

Manaò tupapaú (Espíritu de los muertos vigilando), Fuente: Buffallo Art Museum

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Gauguin (1848-1903) no tuvo precisamente eso que podríamos llamar una vida tranquila y asentada. Ya sus orígenes fueron un tanto singulares: era hijo de un periodista antimonárquico, Clovis Gauguin, y de Aline Marie Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, quien a su vez, según algunas biografías, era hija de Simón Bolívar. Tras el golpe de estado de Napoleón III, la familia se trasladó a Perú. En el viaje murió el padre, cuando el futuro pintor tenía año y medio. Su vida será un ir y venir por lugares y trabajos. Por los trabajos, hasta que decidió dedicarse a la pintura. Por los lugares, hasta que un día la muerte le alcanzó en la Polinesia.

Su original y fácilmente reconocible estilo posimpresionista alcanza la madurez expresiva en la práctica de lo que se conoce como cloisonismo (pintura basada en las grandes áreas de color plano y bordes muy acentuados), luego evolucionará hacia el sintetismo (se quiere sintetizar la forma, las emociones del autor hacia el objeto que representa y el color). Pero vayamos con el óleo de hoy, que es lo que nos interesa.

La figura central de esta pintura es una joven tahitiana llamada Teha'amana, que yace boca abajo y mira de reojo hacia el lado contrario donde se sitúa la figura vestida de negro. Gauguin dijo que intentó representar el miedo polinesio al tupapaú, o espíritu de los muertos, que es quien aparece aquí, al otro lado de la cama, enfundado en un ropaje negro. En la pared, detrás de la cama, hay varias formas blancas, con apariencia de pluma, que el artista describió como luces fosforescentes y que, según él, ejemplifican el interés de los espíritus por los vivos.

De hecho, Gauguin describe la escena en su diario Noa Noa. Según cuenta en él, un día que volvía a su cabaña ya tarde y en el que por falta de provisiones se había quedado sin alumbrado, encendió una cerilla para no tropezar y vio a Tehura (así llamaba él a Teha'amana), inmóvil, desnuda, tumbada boca abajo en la cama, con los ojos desmesuradamente abiertos por el miedo (…) parecía que un resplandor fosforescente le brotaba de aquellos ojos con la mirada fija (se refiere al espíritu).​

A partir de eso que nos cuenta, podríamos pensar que la niña, (según dice Gauguin, tenía tan solo trece años) está atemorizada por el espectro. Posteriormente, optó por una explicación más intelectual y se refirió a esta pintura como un trabajo que contenía una serie de dualidades: juventud y vejez, luz y oscuridad, vida y muerte. 

Es difícil saber qué era lo que estaba pensando Gauguin cuando pintó a su amante de aquel momento en esa situación. Las creencias polinesias, el simbolismo de la época, la propagación de las doctrinas teosóficas y toda la parafernalia de supersticiones varias en torno a espíritus, muertos y seres varios de la naturaleza imaginaria que durante el final del siglo XIX poblaban la imaginación de buena parte de la sociedad, hacen difícil cualquier explicación sobre el contenido de la obra que pretenda ir más allá de lo que a primera vista vemos. El misterio de la obra crea espacio para un amplio debate abierto en torno a su contenido, así como a la intención del artista.

De Teha'amana, la adolescente que yace boca abajo en la cama, no he podido averiguar nada, salvo que fue la compañera del artista durante los dos años que permaneció en Tahití durante su primera estancia, de 1891 a 1893, y que cuando regresó a Tahití en 1895, Teha'amana se veía a sí misma como casada convencionalmente de acuerdo con sus costumbres locales, pero para él el matrimonio que había celebrado con arreglo a esas costumbres y formas polinesias no era nada más que un acuerdo temporal, sin ningún valor legal. 

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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TRINIDAD CON TETRAMORFOS... Y ALGO MÁS

Tanto en la página oficial de la catedral de Segovia como en la cartela que acompaña a la obra se puede leer esto:

TRINIDAD CON TETRAMORFOS

Maestro de los Claveles, finales s. XV

“En nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo”. Esta breve oración proclama cotidianamente el misterio cristiano de la Santísima Trinidad. Para representar este misterio, que como tal escapa a la razón, las artes plásticas han recurrido a varias fórmulas simbólicas. Esta es una de ellas: el Trono de Gracia. El Padre Eterno, sentado en un trono, sujeta la cruz en la que está clavado el Hijo; entre ambos se representa al Espíritu Santo en forma de paloma.

La presencia de los símbolos de los cuatro evangelistas alrededor del trono recuerda a las representaciones medievales de Cristo en Majestad. Lo mismo sucede con el rostro de Dios Padre, visto de frente con las orejas de perfil.

El autor de esta tabla —al que conocemos simplemente como Maestro de los Claveles— trabaja a finales del siglo XV. Desde su Castilla natal se esfuerza por absorber algunos aspectos del gusto hispano-flamenco que se va imponiendo, como los pesados pliegues geométricos. La representación del espacio le plantea dificultades, pero se redime en la realización de las figuras.

Un detalle curioso: dos de las filacterias donde aparecen los nombres de los evangelistas están intercambiadas. [Tradicionalmente se representan así: el hombre es Mateo, el león es Marcos, el toro es Lucas y el águila es Juan. Las representaciones de Marcos y Mateo son las que están intercambiadas].


Un comentario informativo, objetivo y preciso. Se podría seguir ofreciendo más información sobre la técnica, el uso del color, la disposición de las figuras, la distribución del espacio..., pero a mí lo que verdaderamente me llamó la atención fue un pequeño detalle que aprecié cuando me acerqué más:

Efectivamente, los ojos de esa paloma-Espíritu Santo. Las patas también tienen su gracia, pero esos ojos bizcos de la paloma, si son obra voluntaria y consciente del maestro, sin caer en la irreverencia, me parecen un aporte humorístico y de fantasía en toda su espléndida magnitud. Es posible que no haya Espíritu Santo más turulato ni más estupefacto en toda la pintura religiosa occidental. ¿Será por lo de la confusión en las filacterias o será por cómo está el mundo? Desconozco la razón, pero a mí me parece muy simpático.

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RETRATOS DE AMANTES (Marthe Meurier), 35

Minué de la princesa Maleine o Marthe al piano. Fuente: Museo de Orsay.

 

#retratosdeamantes

Maurice Denis (1870 - 1943) realizó este cuadro de la que entonces era su novia, Marthe Meurier, en 1891, es decir, cuando todavía estaba iniciándose en su carrera como pintor, pero en él ya apreciamos algo que será una constante en su obra. En un breve ensayo publicado en 1890 en la revista Art et Critique dejó escrito: Recuerden que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo femenino o una especie de anécdota, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un orden determinado. Esta idea y el tratamiento pictórico que implica marca el quehacer de Denis y tendrá una notable influencia en el grupo al que pertenece, los nabis. 

El mismo año en que redactó el texto que acabamos de leer, se produjo el encuentro con Marthe Meurier. Tuvieron un largo período de noviazgo, documentado en su diario con todo lujo de detalles y reflexiones. Se casaron dos años después de conocerse, el 12 de junio de 1893. Ella se convirtió en una parte fundamental de su arte (aparece en numerosos trabajos, tanto óleos como obras de carácter decorativo, como abanicos pintados, y en muchas ocasiones como una figura idealizada que representa la pureza y el amor. Era, está claro, su musa.

En este lienzo vemos a la que entonces era la prometida del artista al piano y una clara configuración de todos y cada uno de los elementos representados para enfatizar su individualidad: el papel pintado de la pared, la partitura en un tono claro que contrasta, las suaves líneas curvas del delantal, el vestido oscuro más significativo por la falta de sombras, la indefinición del espacio entre cada elemento... Todo está acentuando el carácter plano de la obra que tenemos delante.

Pero por encima de todo destacan las manos y el rostro de la amada. Es como si  todos y cada uno de los elementos que la rodean estuviesen ahí para destacar su belleza y su serenidad, su estar en el mundo de una manera plena y satisfactoria, que es una forma de transmitirnos lo que él sentía por ella: Gracias a ella he recuperado la inocencia de la fe, el gozo de estar bien sin tristezas. De ella recuperaré el don de las lágrimas y la locura de la auténtica esperanza (de su diario).

Marthe, al igual que Maurice, sentía una gran inclinación por la música. El título de la partitura, sin embargo, es el de una obra de Maeterlinck, hoy perdida, mientras que el minué fue compuesto por un amigo. Los motivos de la cubierta funcionan como símbolos de los rasgos espirituales de Marthe. Una mujer se inclina para recoger flores de la tierra, otra alza los brazos hacia el cielo: amor por la belleza natural y profunda espiritualidad, características muy presentes en el movimiento nabi, que de hecho significa profeta en lengua hebrea.

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Moshe Dayan  

Fuente: Wikipedia

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TORREÓN LOZOYA, SEGOVIA, 1

Torreón Lozoya

El Torreón Lozoya es una torre medieval sobre la que aún está en discusión la fecha en que se pudo levantar y una de las construcciones más singulares de la ciudad, en una ciudad que tiene muchas y muy atractivas. A ella, en el siglo XVI, se le adhirió un palacio renacentista con patio y jardín. En definitiva, arquitectura civil de gran atractivo.

En la actualidad es una espacio que la fundación de su mismo nombre utiliza como lugar de exposiciones temporales (véase la entrada TABACO, PUBLICIDAD Y CAMBIOS DE COSTUMBRES), abiertas al público con entrada libre, y como museo de arte (entrada de pago), donde están recogidas diversas colecciones pertenecientes al legado de la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Segovia. Tiene, además,  una excelente librería y tienda de regalos.

Galería de acceso al museo

Galería interior

Dejo un pequeño muestrario de las distintas salas:

Barco. Rafael Baixeras.

Sala dedicada a la numismática.

Isabel y Fernando, RRCC

Innecesario el apunte, se ve perfectamente.

Alcalde (izq) y tipos segovianos (dcha). Ramón de Zubiaurre.

¿Reconocéis a la actriz que protagonizó El maestro de esgrima?

Eva lunar. Carmen Sáez.

Rincón de la sala dedicada a las acuarelas.

No pude resistirme al encanto de esta ventana.

Arquero. Gregorio Herrero. Bourdelle como inspiración.

Vidrio soplado, grabado y dorado de la Real Fábrica de Cristales de La Granja

Sala 5

Sala 4

Pedregal y naranja. Juan Luis Pita

San Marcos - Vera Cruz. Ángel Cristóbal Higuera

Sala 1

Los pequeños museos de provincias guardan joyas a las que no se suele prestar mucha atención. 

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Moshe Dayan  

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RETRATOS DE AMANTES (Bice Bugatti), 34

Pétalo de rosa. Fuente: Wikipedia.

 

#retratosdeamantes

Giovani Segantini (1858-1899), fue un pintor italiano que nació en Arco, una pequeña ciudad que en el momento de su nacimiento pertenecía al Imperio austrohúngaro. Cuando murió su madre, en 1865, su padre le envió a trabajar a Milán. Ese mismo año solicitó que su nacionalidad austriaca fuera revocada, pero no lo consiguó, y al no poder hacerse con la nacionalización italiana, decidió permanecer como apátrida el resto de su vida.

En 1875 comenzó a estudiar artes plásticas en la Academia de Brera. 

En 1886 se estableció en el cantón suizo de los Grisones. Allí, se dedicó profesionalmente a la pintura. Sus obras más conocidas serán los paisajes alpinos, que era los que veía continuamente desde su lugar de residencia. En 1889 pudo exponer en la Italian Exhibition de Londres, donde tuvo cierto éxito, lo que le facilitó colaborar en revistas de arte. Al final de su vida consiguió disfrutar del reconocimiento público. 

En este Pétalo de rosa aparece Beatrice "Bice" Bugatti, a la que conoció en 1880, quien se convirtió en su amante de por vida. Tuvieron cuatro hijos y una relación exitosa. Cuando él por razones de trabajo no podía estar junto a ella, le escribía cartas de amor, a veces, perfumadas con flores recogidas en el campo. Cartas como esta (es un ejemplo de cuando llevaban diez años juntos): 

Recibe estas flores, estas violetas, como símbolo de mi gran amor. Las he recogido pensando en ti. Cuando llegue una primavera en la que yo no envía violetas, ya no me encontrarás entre los vivos.

Segantini se movió entre el divisionismo y simbolismo. Practicó la alegoría, tan del gusto de los simbolistas y combió, como se puede apreciar en este retrato de Bice Bugatti, la riqueza cromática y los efectos lumínicos del postimpresionismo con un dibujo de líneas marcadamente academicas. 

En este óleo en el que aparece su amante enferma de tuberculosis, el artista rehuye el aspecto negativo de la enfermedad y nos muestra una mirada dulce de la amada, como si estuviera a punto de recuperarse. Es más, el título del cuadro viene del color rosado que pone a las mejillas de la enferma. Varios símbolos aparecen sobre por encima de la almohada. De entre ellos, se reconoce bien la cruz cristiana. Sobre este tema el decía: Llevo a Dios en mi interior. No necesito ir a la iglesia.

El brillo del fondo y el de los cabellos de ella se debe al uso del pan de oro, al que después de aplicar rasca para conseguir ese aspecto. 

Si os estáis preguntando por el apellido de ella, sí, es lo que suponéis, ella pertenecía a la familia Bugatti, de la que eran miembros destacados el escultor Rembrandt Bugatti y el empresario Ettore Bugatti.

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