| Piedad de Villeneuve-lès-Avignon. Fuente: Louvre. |
Debo confesar que no me siento muy atraído por la pintura de carácter religioso y que de las piedades que conozco no es esta la que más me atrae. Sin embargo, cuando he vuelto a leer , de François Cheng, me he encontrado con un comentario al que en otro tiempo no hice ningún caso y ahora me ha parecido que estaba lleno de belleza y sabiduría. Lo voy a reproducir aquí, pues es una manera de ver aspectos de una obra de arte que en ocasiones se nos escapan y una manera de entender la propia vida. También es una forma de invitar a la lectura del libro
No todos los humanos se ven obligados a atravesar las adversidades de las que acabo de hablar. Pero todos pueden participar en la grandeza nacida de la dignidad interior del ser que se enfrenta a lo terrible en nombre de la vida. Probablemente es por eso por lo que, en el arte occidental, las pinturas que representan la Piedad están entre sus obras maestras más importantes. Tomemos por ejemplo la Piedad de Aviñón, del Louvre, una de las más impresionantes. Este cuadro, pintado por Enguerrand Quarton en 1455, es la primera gran manifestación en Francia de la pintura de caballete. El artista, libre de una tradición de escuela y de preciosismo técnico, puso en la pintura toda la fuerza de su alma. Ancho, el cuadro tiene la dimensión de un tríptico, pero es de una pieza. El cadáver del Crucificado se extiende horizontalmente a lo largo de la escena, un cuerpo rígido y roto, con las piernas caídas, el brazo derecho colgando y, en su extremo, la mano con los dedos retraídos. Alrededor del cadáver se encuentran tres personajes. A la izquierda, Juan se inclina hacia delante, sobre la cabeza de Cristo, mientras sus dos manos, en un gesto de devoción que refleja un amor filial sin límite, tratan de arrancar las espinas hundidas en la cabeza del supliciado. Junto a los pies de Cristo, o sea a la derecha, está María Magdalena. También se inclina hacia delante, con un frasco de perfume en la mano izquierda. Su vestido rojo como la sangre cubre el cadáver hasta medio cuerpo (como sangre que refluye). La parte vuelta del forro con que se seca las lágrimas es de color amarillo; responde a los rayos amarillo-dorados que emanan de la cabeza de Cristo. Del pálido rostro de la joven, se ven todavía la mejilla encendida de pasión y los labios entreabiertos como si siguiera llamando al hombre, susurrándole las palabras de amor nunca pronunciadas, nunca interrumpidas. En medio del cuadro se encuentra la Virgen. El cuerpo de su hijo reposa sobre sus rodillas. Lleva un vestido color de noche oscura que subraya con mayor violencia la tez lívida de su faz de ojos y boca cerrados. Uno cree oír su grito mudo, de tristeza mezclada con estupefacción. Con el busto erguido, es la única figura vertical del cuadro, mientras que las demás están en posición horizontal u oblicua. Así erguida, parece esperar, en medio de su dolor, una respuesta venida de arriba.Nuestra mirada vuelve y se fija de nuevo sobre el cuerpo descarnado de Cristo, que estructura todo el cuadro, que forma, por así decirlo, su osamenta y casi, paradójicamente, la línea de fuerza. Vemos que él es quien reúne y une a los vivos, llevándolos a un movimiento de convergencia y de comunión. Él es quien, habiendo provocado las lágrimas y la desesperación de todos, parece el único capaz de secar esas lágrimas. Ese cuerpo terriblemente rígido y roto se convierte de repente en la expresión de una noble intransigencia, pues recuerda la terrible resolución que el dueño de ese cuerpo había tomado antes de morir, la de demostrar que el amor absoluto puede existir y que ningún mal puede alterarlo ni mancillarlo.
Entonces hay algo que se pone a animar todo el cuadro: un hálito tenue, de otro orden, sale por las llagas en las que han quedado hilillos de sangre seca. Una fuerza se impone a nuestros ojos: el cuerpo allí tendido es el resultado de un «bello gesto», el que suscitó los demás gestos, el de Juan, el de María Magdalena y el de María. Fue preciso que ese cuerpo se viera reducido a casi nada, desnudo por un desasimiento total, depurado de todas las escorias y lastres, para que pudiera convertirse en el consuelo. Él es ahora el único capaz de consolar; es su manera de triunfar frente a la muerte.
La belleza como redención, ¿es ése el verdadero sentido de la frase de Dostoievski: «La belleza salvará el mundo»? A esta frase responden las de un contemporáneo, Romain Gary: «No creo que haya una ética digna del hombre que sea otra cosa que una estética asumida de la vida, hasta el sacrificio de la vida misma», «Hay que redimir el mundo por la belleza: belleza del gesto, de la inocencia, del sacrificio, del ideal».
A nadie le habrá pasado desapercibido que lo que está en la base de todo el comentario es aquello que Platón defendía en su célebre El Banquete: la búsqueda del verdadero significado de la belleza y del bien a través del verdadero significado del amor. Verdad, belleza y amor ejemplificados aquí en el acto extremo de llegar a dar la vida por amor a la humanidad. Esa era también la virtud más bella posible en la doctrina de Confucio.
PS: Si os interesa leer el libro, pero no lo encontráis en ninguna biblioteca o no tenéis intención de pagar la absurda cantidad que en este momento piden por él, en Internet Archive lo tenéis a vuestra disposición.
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